El iTunes Festival, que puede seguirse online todas las noches de septiembre y en el que ya hemos visto las actuaciones de gente como Sigur Rós o Lady Gaga, se interrumpirá hoy 7 de septiembre, ya que Phoenix no podrán actuar. Según ha informado la banda a través de Twitter, el líder Thomas Mars ha caído enfermo y no puede viajar. No habrá, pues, presentación en este lugar de su último disco, ‘Bankrupt!‘. iTunes informa de que las actuaciones volverán mañana con Bastille, de lo que deducimos que no han tenido tiempo para buscar un sustituto.

Unfortunately Thomas won't be able to sing as he is ill & cannot travel. We are very sorry that our @itunesfestival show on 9/7 is cancelled

— Phoenix (@wearephoenix) September 6, 2013

Phoenix presentando las canciones de ‘Bankrupt!‘, el italiano The Bloody Beetroots (LIVE), Is Tropical para volver a presentar ‘I’m Leaving‘ y Miss Cafeina son los primeros confirmados para SOS 4.8 2014, festival que tendrá lugar los días 2 y 3 de mayo de 2014 en Murcia. Las entradas ya se pueden comprar en la web oficial.

Con la confirmación de los franceses, uno de los grupos más queridos por el público de nuestro país gracias a discos como ‘United’, ‘It’s Never Been Like That’ o ‘Wolfgang Amadeus Phoenix’, el SOS 4.8 espera repetir el éxito de ediciones anteriores, cuando se convocó a decenas miles de personas en la ciudad. The Magnetic Fields, The xx, Pulp o MGMT han formado parte de su cartel durante los últimos años.

Mucho antes de que nos visiten para participar en el SOS 4.8 el próximo año, Phoenix estrenan videoclip para la canción ‘Chloroform’, incluida en su último disco ‘Bankrupt!’. El clip lo ha dirigido Sofia Coppola, que recientemente estrenaba su última película ‘The Bling Ring’. Por algo es la señora esposa y madre de los dos hijos de Thomas Mars, vocalista de la banda. El clip es una actuación del grupo ante un atento público exclusivamente femenino que no puede contener la emoción ante la música del quinteto. Es una exclusiva de la web del MOMA.

La novena edición del Bilbao BBK Live ya cuenta con un notable avance de cartel de siete artistas, entre los que destacan claramente los franceses Phoenix, que recientemente estrenaban un gran nuevo vídeo dirigido por Sofia Coppola. Completan el listado de incorporaciones The Lumineers, Los Enemigos, El Columpio Asesino, Dorian, The 1975 y Elliott Brood.

La organización aprovecha para recordar que a lo largo del día de hoy y del de mañana, jueves, sigue vigente la oferta de bono combinado para la edición 2014 del Bilbao BBK Live, que tendrá lugar del 10 al 12 de julio en Kobetamendi, y para la programación Live/Market de BIME, que tendrá lugar este próximo viernes 22 y sábado, 23 de noviembre, en el BEC! con la presencia de artistas de la talla de Manic Street Preachers, Gossip, Mercury Rev, Passenger, The Wedding Present, John Grant, Mark Lanegan, Jay-Jay Johanson o Patrick Wolf, entre otros. El bono combinado tendrá un precio de 85€ + gastos de distribución (6€), con un suplemento de 5€ para aquellas personas que vayan a hacer uso de esta oferta y vayan a querer acceder a la zona de acampada del Bilbao BBK Live 2014 durante todas las jornadas del festival.

Los franceses Phoenix se han tomado un tiempo libre para participar en las sesiones que organiza Deezer. El grupo interpreta tres temas clásicos de su repertorio de manera reducida y minimalista. Así, ‘Entertainment’, ‘Trying To Be Cool’ y ‘1901’ suenan de manera íntima y bastante apetecible. La sesión fue grabada en los cuarteles generales del servicio de streaming en París. Puedes disfrutar de los casi 10 minutos de sesión a continuación.

Aparte de Suede, otros que ya están trabajando en la continuación de su disco de 2013 son Phoenix. Así se lo ha contado Thomas Mars a Rolling Stone, reconociendo que todavía están empezando. “Estamos en el inicio de algo, la base de la pirámide. Ahora mismo, podría ir hacia cualquier lado. Es el momento de libertad absoluta. Las posibilidades son infinitas. Es muy excitante”.

Os recordamos que Phoenix actuarán en la próxima edición del Bilbao BBK Live, que se celebra en julio.

Aunque suene a tópico gastado lo del “incomparable marco” en este caso no se puede decir otra cosa. El maravilloso Parque O’Higgins servía por cuarto año de escenario para la versión chilena del mítico festival Lollapalooza. Además este año se extendía a Argentina y Brasil. Una franquicia musical en toda regla. Esto funciona a su favor (una marca consolidada y reconocible) y en su contra (una línea editorial a seguir que cercena las intenciones de los promotores locales). Viendo el cartel no es difícil intuir por dónde se partía cada uno.

Para alguien acostumbrado a los festivales españoles lo primero que llama la atención es que no se pueda comprar alcohol, lo cual era bastante paradójico dado que entre los patrocinadores se encontraban una marca de cerveza y otra de whisky. Esto es así porque gracias a eso pueden entrar menores, lo que dota al perfil del festival de un matiz familiar imposible de ver en nuestras tierras. La programación para niños en el Kidzapalooza, la multitud de talleres y actividades paralelas pensadas para los más pequeños se presentaban como un plan más que apetecible si uno quiere seguir disfrutando de la música en este tipo de entornos pero ya ha formado familia. El horario también es llamativo porque va desde el mediodía hasta las 23:30, cuando terminan los cabezas de cartel. Pero, más importante aún, hacer el evento para todos los públicos lo que consigue es que, literalmente, miles de adolescentes en grupos, chavales de 14-15 años estén en pandilla por el festival viendo los conciertos. Vista la media de edad de la mayoría de los directos (y los grupos) en España no es una reflexión al aire. En el aspecto musical la oferta era variada y heterogénea aunque de aristas muy marcadas. Se partía en tres ejes: grandes leyendas de los 90, artistas emergentes o con pocos años de carrera y artistas locales y latinoamericanos que cubrían ambos espectros.

En la jornada del sábado lo primero que destacaba en el principal escenario, el Claro Stage, era el nombre del veterano Joe Vasconcellos. Su música de fusión con toques de jazz y claramente influenciada por Brasil era una ligera puerta de entrada a lo que iba a venir. Mensajes en apoyo a la lucha de los Mapuches en la Patagonia y sobre temas de paz y hermandad no recomendados a alérgicos del buen rollo.

Tras él, en el segundo escenario en importancia, el Coca-Cola, actuarían otros clásicos de la música local, Lucybell. Como varios de los artistas del festival, sus mejores años quedaron en los 90 y en sus primeros trabajos, pero sirven para recordar que otro mainstream era posible con grupos que surgieron entonces como La Ley, con sonidos menos estandarizados que los habituales de la radiofórmula. Su pop de raíz inglesa con grandes influencias de The Cure o de Soda Stereo fue un soplo de aire fresco en sus tres primeros trabajos, para perder casi toda la inspiración después. Una banda que, artísticamente, no tiene relevancia alguna en la actualidad pero que no deja de congregar a un gran número de fans que quiere revivir parte de su excelente repertorio, como ‘Viajar’ o ‘Cuando respiro en tu boca’.

Volviendo al Claro llegaba el turno de una de las mejores actuaciones del día, la de otros veteranos, en este caso los mexicanos Café Tacvba. La banda liderada por un Rubén Albarrán con aspecto de predicador evangélico, se puede considerar una de las más importantes de la música en español de las dos últimas décadas sin temor a caer en exageraciones. Grandes responsables de la explosión de llamado Alter-Latino junto a otros grupos que surgieron o llegaron al éxito continental en los primeros 90 como Aterciopelados, Los Fabulosos Cadillacs, Los Tres y muchas otras bandas de toda la geografía latinoamericana, vehicularon su triunfo transnacional vía la naciente MTV Latina. Su desconocimiento en España es de lamentar porque nos encontramos ante los autores de discos que siempre coparán las listas de los mejores trabajos de la música en español si se aplica una visión con mira de alturas (como la realizada en el reciente especial sobre el tema de la edición mexicana de Rolling Stone). Entre su discografía abundante destaca ‘Cuatro Caminos’, al que en su día Pitchfork coronó con un 8,7 y la prensa estadounidense denominó, de una forma un tanto perezosa, “el ‘Kid A’ del rock latino”. Su concierto estuvo plagado de éxitos como ‘Las flores’, la ‘Chilanga banda’, o, entre los más celebrados, su primer hit ‘La ingrata’ y, por supuesto, la versión que hacen del clásico del grupo chileno Los Tres, ‘Déjate caer’. Personalmente su versión me gusta poco pero la coreografía de boyband con la que la acompañan siempre derrota cualquier prejuicio.

La primera banda de ámbito no latino era Capital Cities. Ray Merchant y Sebu Simonian demostraron lo que son: una versión light de Phoenix, M83 o el primer disco de MGMT. Agradeciendo en un estimable español y con fórmulas de cortesía gastadas (“sois el mejor público que hemos tenido”), el concierto no pasaba de ser una mera espera hasta que sonase ‘Safe and Sound’. Entre su repertorio estaba la espantosa versión de ‘Stayin’ Alive’ que aparece incluida en el disco para la banda sonora de ‘Dallas Buyers Club’, con la que hicieron un mash-up junto a ‘Undone’ de Weezer.

En el escenario principal estaban Cage The Elephant con los mismos males que Capital Cities: es una banda que suena a otras sin un ápice de personalidad ni sonido que pueda definirlos. Esto no tiene por qué ser una losa si se defiende con grandes canciones. Por desgracia no es su caso. Repitiendo actuación en el festival como dos años atrás pero con un estatus de estrella mayor, el concierto era un paseo por un rock tibio con ecos de envejecido brit-pop con curiosos ramalazos AORizantes por momentos. El éxito de singles como ‘Ain’t No Rest For The Wicked’ y, sobre todo, ‘Come a Little Closer’ les garantiza seguir girando como nombre de relleno en festivales de todo el mundo y que sea disfrutado por quienes busquen sustitutos a la épica de garrafón de bandas como Oasis, con un frontman que se quita la camisa a lo Iggy Pop pero con menos abdominales y hace el crowdsurfing más ridículo que recuerda este cronista (impagable momento de vergüenza ajena). Que lo disfruten otros.

Otros que buscan el rock de estadios en su directo son, sin duda, Imagine Dragons, aunque ahora más que “rock de estadios” debería decirse “rock de festivales”, rock inofensivo que, sorprendentemente, ha obtenido un éxito arrollador con su disco ‘Night Visions’ entre el público indie-mainstream. En nuestro país llegó de la mano de un anuncio de cerveza con ‘On Top of the World’ y le viene bien esa definición a su música: de anuncio de cerveza (con todo lo que eso incluye). En directo se inclinan hacia un sonido mucho más rockero que electrónico y el momento más coreado vino de mano de ‘It’s Time to Begin’, más que sus mayores éxitos como ‘Demons’ o ‘Radioactive’, cumpliendo con casi un protocolo: coger una bandera de Chile de alguien del público y moverla un rato. Aunque si de banderas y símbolos se trataba, los relacionados con Venezuela, en plena crisis institucional y social, ganaron por goleada.

Triunfo entre el público del jovencísimo Jake Bugg. Relegado a un escenario secundario, aun así su música amerita otro tipo de lugar. Con el calor de media tarde, sus melosas baladas herederas de ciertos cantautores sesenteros servían de pastoral banda sonora a multitud de público que se sentó en la hierba (para eso era un parque) a hacerse carantoñas. No molestaba (a pesar de cierto tono irritante en su timbre), pero tampoco parecía el lugar para apasionar. Uno se desperezaba cuando daba un poco de energía al asunto con canciones como ‘What Doesn’t Kill You’, una de las más celebradas, o al cerrar con una de sus mejores canciones como es ‘Lighting Bolt’. Sin duda, el éxito de sus dos discos editados en un corto espacio de tiempo para lo que se estila da pistas de que sabe cómo tocar las teclas de lo que se puede esperar de él y eso es innegable. Correcto, entretenido… a revisar su setlist en formato festival. Todo lo contrario que el set que se marcaba Baauer en el escenario electrónico con música machaca que no tenía problema en hacer aparecer canciones de cheesecore. Puro y duro bakalao con sirenas y luces que hicieron bailar al numeroso público como si aquello fuera Puzzle o Barraca en los 90. Y ‘Harlem Shake’.

Ellie Goulding salió con una gran banda de acompañamiento, en especial su trío de coristas. No tenía muy claro qué esperar de su concierto. Finalmente, la música fue mucho más orgánica de la que cabía pensar en principio y eso hacía que algunas de sus canciones quedasen más cerca de Avril Lavigne que de otra cosa. Pero supo defender su cancionero y hacer un espectáculo con poca pirotecnia y sí mucho esfuerzo por que se notase que estaba dando lo mejor de sí a nivel vocal. Lo consiguió de sobra aunque se echara en falta un poquito más de viraje electrónico en el show, al que sí se entregó de lleno hacia el final. Terminar con ‘Lights’, ‘You My Everything’ y, como no puede ser de otra manera, ‘Burn’, deja mejor sabor de boca del que se iba teniendo durante el propio concierto.

La parte final de la noche se inició con Phoenix. Sin demasiadas sorpresas para el que haya visto sus conciertos, al menos este show fue menos soso que el del pasado año durante el Primavera Sound. Si uno no conoce a la banda sería difícil apasionarse con ella si el primer contacto es su directo. Se esfuerzan y cada vez van mejorando (lo que ya es decir en una banda con tantos años de carrera), pero sus shows quedan a años luz de lo que sus brillantísimas canciones demandan.

Nine Inch Nails dieron un concierto que fue de menos a más. Comenzando de forma demasiado pausada y sobria para lo que uno podría esperar, recordaban un poco a los Depeche Mode de la era ‘Black Celebration’. Tampoco ayudaba una muy poco espectacular puesta en escena en la que apenas se jugaba con las luces. Pero, poco a poco, el show comenzó a tomar vuelo cuando empalmó ‘Terrible lie’ con la brutal ‘March of the Pigs’. A partir de ahí, todo fue hacia arriba conjugando las dos facetas de la banda, la industrial y la más electrónica. El público más casual parecía preferir estos momentos, pero los muchísimos fans de la banda vibraban cuando arremetieron clásicos como ‘The Great Destroyer’. No fue un concierto fácil para los no fieles aunque el tercio final, lleno de energía, fue capaz de conectar con los despistados. Aun así, no parecía un show para dejarlo a uno impresionado… hasta que en el bis, tras un silencio, apareció ‘Hurt’ y todo lo anterior, como en un cuento de Cortázar en el que la última frase dota de un significado diferente a lo anterior, arrojaba nueva luz a lo visto. Sin duda, el momento más emocionante de los dos días.

Cerraron la noche los ganadores en camisetas del día, Red Hot Chili Peppers. Un show que pudo ser una celebración de todos sus innumerables éxitos pero que dejó de lado muchos de ellos para ponerse espeso y aburrido, con un sonido bajo y con muy mala voz de Anthony Kiedis. Todo esto se hizo notar con el éxodo de miles de personas fuera del recinto durante la actuación de los cabezas de cartel. Entre esos que abandonaron el recinto pasado la mitad del concierto está el que esto escribe. Perderse ‘Give it Away’ compensa cuando se está presenciando algo con cero significación. Y sí, he dejado libros a la mitad, series en la segunda temporada y he apagado películas. Pues lo mismo.

El segundo día se prometía a años luz de interés en el descompensado cartel y cumplió. De sobra. Tras el concierto del grupo mexicano-chileno Hoppo!, en el que participa el propio Rubén de Café Tacvba (y que invitó a Fernando Milagros a acompañarlos), el primer imperdible del día era el show de la rapera Ana Tijoux. Probablemente la figura femenina más importante del rap en español en toda su historia junto a La Mala, repasó sus trabajos en solitario y hasta recordó temas de los fundacionales Makiza, banda de la que ella era parte. Un show extraordinario con reivindicaciones necesarias de género y clase, referencias a la lucha por una educación de calidad, tema central del descontento en Chile. Canciones como ’1977′, que sonó en ‘Breaking Bad’, o ‘Mi verdad’, tema de cabecera de la fantástica serie (sobre todo su primera temporada) ‘El Reemplazante’ le han dado una exposición enorme que también le han generado estúpidas polémicas como la que hubo al día siguiente del festival porque algunas personas del público la insultaron de forma clasista como “cara de nana”. Nada que añadir…

Otra triunfadora fue Natalia Lafourcade. Emocionadísima por su debut en Chile, repasó con profusión su homenaje al cancionero de Agustín Lara acompañada de una maravillosa banda y con colaboraciones vocales de Gepe y Meme de Café Tacvba. También hubo recuperaciones puntuales de su discografía anterior como ‘En el 2000′ o ‘Ella es bonita’ en un concierto que fue un chute de felicidad para todos los asistentes. Enorme esta chica tan pequeña.

Portugal The Man cayó en los mismos tópicos, falta de personalidad y defectos que Cage The Elephant. Un show plano y difícilmente apasionante en el que -resulta sintomático- lo más celebrado fue su versión de ‘Another Brick in the Wall’. Si hablamos de personalidad, esa le sobra a Johnny Marr. O, al menos, se le supone. Pero su concierto naufragó sin remedio quizá maldito de antemano. Con un repertorio en el que la mitad de los temas eran de The Smiths, uno parecía estar ante una banda tributo a los de Manchester. Pero no una de las mejores sino una regular. Ni siquiera se intuía que estábamos ante uno de los guitarristas más imaginativos de la historia del pop. No debe de confiar en su propio repertorio actual porque, además de las canciones de su anterior banda y ‘Getting Away With It’ de Electronic (sin Bernard Sumner a pesar de estar por allí), interpretó una versión del clásico popularizado por Bobby Fuller Four ‘I Fought the Law’. Las canciones propias sonaban a que podrían haber estado en los últimos discos de Oasis. Así de triste.

Pero eso no fue nada ante lo que vino después. Había comentarios sobre el desastre perpetrado por Julian Casablancas en el side-show durante la semana. Ninguno de ellos se acercó a la dimensión real de la tragedia: un espectáculo lamentable, con un Casablancas totalmente fuera de sí, con una pose de estrella del rock risible, desgañitándose como un aficionado al karaoke. No fue lo peor de los dos días sino de lo peor que uno pueda imaginar sobre un escenario. Juramos que ese hombre tuvo talento.

Nada que ver con el impecable espectáculo que ofrecieron Savages: ejecución magistral, imagen potente, canciones con gancho las de su ‘Silence Yourself’ y derroche de carisma por parte de su vocalista Jenny Beth, que se permitió incluso flirtear con las primeras filas llenas queriendo, en sus palabras, “bajar para estar entre esas preciosas chicas delgadas”. Y si la carrera de Savages está despegando, la de Vampire Weekend ya está en órbita. Situados en el segundo escenario en importancia, el lleno ante su actuación definía la expectación ante los autores de tres discos sensacionales. Aunque su nombre y trayectoria parecen pedir cerrar festivales, la organización los situó a media tarde. No fue mala elección porque su música festiva y a ratos melancólica sirvió de perfecta bisagra para lo que se venía encima. Ezra Koenig, vestido con una chaqueta vaquera con Babar sobreimpresionado, se ganó cánticos alusivos a su belleza física, pero con canciones como ‘Cape Cod Kwasa Kwasa’, ‘Horchata’, ‘Diane Young’, ‘Oxford Comma’ o la imprescindible ‘A-punk’, poco ha tenido que ver su físico en su triunfo. ¿Que suenan a veces a Paul Simon? ¿Y qué?

Pero la actuación del festival estaba por llegar. Podría haberse esperado (la organización no, que la mandó al segundo escenario más pequeño), pero lo que pasó durante el show de Lorde desbordó cualquier expectativa. Presentando un disco excelente como es ‘Pure Heroine’, no parece haber riesgo de que el árbol (‘Royals’) no deje ver el bosque. Un concierto mágico, en el que se veía una emoción real fuera de la ensayada por la mayoría de los artistas cuando van de gira. Así lo hizo saber entusiasmada en su Twitter, pero lo importante era otra cosa. La que vimos fue una actuación llena de ritmos entrecortados, con ella desplegando rabia y fuerza, con unas capacidades vocales que asombraban, un aplomo implacable para sus 17 años y, en resumen, una capacidad de generar magia a su alrededor al interpretar su repertorio que dejó a todo el mundo con la boca abierta. No era difícil pensar en otra adolescente prodigio como fue Kate Bush. Si la carrera de Lorde soportará tal comparación a la larga está por ver, pero la fragilidad (hizo un emocionantísimo speech de más de 5 minutos sobre sus miedos), el talento y la capacidad de fascinación que tiene Lorde, no tiene mucho parangón en este momento. El concierto del festival. De largo.

Frente a esa frescura está la pochez de unos Pixies convertidos en todo lo que juraron no ser. Con un repertorio menos divertido que en las pasadas giras, por tener que sacar algunos clásicos para meter sus menos que discretas nuevas canciones, lo suyo suena a comida rápida: te satisface en el momento y, al cabo de un rato, comienza a sentarte mal. ¿Entretenido? Sí, pero los Pixies no estaban en la liga de ser entretenidos.

Todo lo contrario al magno espectáculo de la banda que ha venido a sustituir a U2 como gran banda de estadios. Arcade Fire tienen un cancionero indiscutible. Desde el propio ‘Reflektor’ que abría su concierto, pasando por ‘Ready to Start’, ‘No Cars Go’, ‘The Suburbs’… su triunfo es inapelable y merecido y su ascenso al Olimpo musical y mediático indiscutible. Se agradece que entre cierto mesianismo dejen lugar al humor. Tras retirarse salieron a escena unos cabezudos que anunciaron en español llamarse Los Reflektors, indicando que seguirían cantando. Y en ese momento comenzó a sonar la versión de The Smiths a cargo de Mikel Erentxun ante las risas y cierto desconcierto del público. Pensé que sería un guiño a Marr (ya hicieron otro a Pixies al interpretar un trozo de ‘Wave of mutilaton’ y a New Order con ‘Temptation’) pero, al parecer, lo están haciendo en más conciertos. Da igual, una anécdota minúscula a la espera de que cerrasen con un glorioso ‘Wake up’.

Lo de New Order da para una reflexión aparte. Probablemente el grupo más relevante del festival junto a Pixies en una visión historiográfica, dieron un sensacional espectáculo a nivel visual y musical paseando por una discografía perfecta hasta ‘Republic’ y luego con aciertos puntuales. Pero, ay, cuando esa música perfectamente ejecutada entraba en contacto con la voz de Sumner, aquello era un naufragio. Si su voz siempre resultó cálida como un abrazo lo que tiene ahora es doloroso como un puñetazo. Resultaba ciertamente doloroso verle intentar aguantar, sin capacidad vocal, incluso dejando momentos en los que estaba absolutamente ahogado y donde ni se le distinguía registro vocal alguno (especialmente triste ‘The Perfect Kiss’). El final, recordando a Joy Division en una desdibujada versión de ‘Love Will Tear Us Apart’ sólo sumaba rabia como desenlace. Todos queremos ver a leyendas de la música en vivo pero, aunque cosas como esta dejen intacto un legado inmarchitable, no deja de resultar penoso.

Un poco de eso también se vio en el concierto de cierre con Soundgarden. Extraña decisión como gran cabeza de cartel del festival para un grupo que ni fue de lo mejor de su generación y al que el tiempo sólo parece empequeñecer su legado. La escasa afluencia de público para el supuesto momento más importante del evento ratificó esa sensación.

Agradecer a la excelente organización del festival (en este aspecto extraordinario) y a Jaime Guerrero y Julieta Gracia en la ayuda de la elaboración de este artículo.

Esta semana Dorian harán un repaso a toda su discografía en tres conciertos que tendrán lugar mañana jueves 24 de abril en Madrid (La Riviera), el viernes en Zaragoza (Sala Oasis) y el sábado en Barcelona (Razzmatazz). La banda, que estuvo hace unos días presentando su último disco en Colombia, nos narra su paso por el prestigioso Festival Estéreo Picnic de Bogotá.

TRES DÍAS EN EL COACHELLA DE LATINOAMÉRICA

Por Marc Dorian.

Los pasados 4, 5 y 6 de abril tuvo lugar en Bogotá el Festival Estéreo Picnic, que se ha convertido en los últimos años en cita ineludible del calendario musical latinoamericano. Este proyecto arrancó en 2010 con el propósito de consolidar en Colombia un evento orientado a la música independiente, y en ese lapso de tiempo ha pasado de ser una cita local a constituirse como uno de los festivales más interesantes y mejor dotados en infraestructuras de todo el continente americano. Este año el line-up estaba formado por bandas como Red Hot Chili Peppers, Nine Inch Nails, Los Fabulosos Cadillacs, Empire of the Sun, Phoenix, Pixies, Vampire Weekend, Zoé, Julian Casablancas, Cut Copy, Babasónicos, Bomba Estéreo, Capital Cities, Jovannoti, Árbol de ojos o Natalia Lafourcade, entre muchos otros. Dorian publicamos el álbum ‘La velocidad del vacío’ en Colombia hace meses y volvimos a visitar Bogotá para participar en el festival.

He viajado a Colombia en otras ocasiones, para pinchar en clubes y para tocar con la banda, y con el tiempo he ido interesándome más y más por la cultura de este maravilloso país (sin duda uno de los más hermosos del mundo), que estos días está de luto y en boca de todos por la muerte de Gabriel García Márquez.

Hasta hace poco, la imagen que se tenía de Colombia en el extranjero era la de una nación sumida en un caos social provocado por los conflictos entre carteles de la droga, las Farc, los paramilitares y el Estado, pero las cosas llevan un tiempo cambiando. Si bien es cierto que en el país sigue habiendo muchas desigualdades sociales y que el conflicto con la guerrilla no ha terminado todavía (aunque prosiguen las conversaciones de paz, hace dos semanas mataron a un suboficial de la Armada en un ataque en Nariño), no lo es menos que su crecimiento económico (que se está situando por encima del 3,5% y se prevé que llegue al 4%) ha sacado de la pobreza a 800.000 personas y ha creado una sólida clase media que mira al futuro con optimismo y con ganas de sacudirse los fantasmas del pasado.

En ese marco es lógico que en los últimos años haya florecido en Colombia una nueva escena musical que, hallándose en un mundo global y permanentemente conectado por la red, además tiene ganas de hacerse escuchar dentro y fuera de sus fronteras. Algunos artistas y bandas pertenecientes a esa escena, como Consulado Popular, Mateo Lewis, Monsieur Periné, Juan Pablo Vega o Árbol de Ojos tuvieron destacadas actuaciones en Estéreo Picnic, y especialmente Bomba Estéreo, que el sábado pusieron a bailar a 15.000 personas con una puesta en escena soberbia, toneladas de magnetismo y altas dosis de elegancia tropical.

La primera jornada del festival tuvo como protagonistas a Nine Inch Nails, que visitaban Colombia por primera vez tras un intento fallido que tuvo lugar cinco años atrás. Su puesta en escena no fue la de las ocasiones más importantes y el show se vio por momentos deslucido por unas luces algo pobres, que no siempre jugaban a favor de la soberbia exhibición de tecnología y producción musical que estaba teniendo lugar sobre las tablas. Aunque soy defensor de su último trabajo, el notable ‘Hesitation Marks’, tengo que reconocer que el concierto empezó a despegar a medida que iban cayendo trallazos como ‘The Hand That Feeds’, ‘March of the Pigs’ o ‘Head Like a Hole’. Y nunca mejor dicho lo de “trallazos”. NIN exprimieron al máximo las posibilidades a nivel de sonido que proporcionaba el escenario Tigo, y lo incendiaron con una actuación que fue subiendo de voltaje hasta dejar extasiados a los fans más fans de la banda, al tiempo que lograban ahuyentar a curiosos y neófitos. Se quedó fuera ‘Hurt’, posiblemente a causa de un cabreo de Reznor motivado por un problema técnico que provocó una breve suspensión de la actuación. A ver si hay más suerte en el Primavera Sound.

Ese día, en el escenario principal, dos platos fuertes del cartel precedieron a NIN: Julian Casablancas y los argentinos Babasónicos. El primero le echó empeño y más ganas de comunicarse con el público de las que suele demostrar cuando actúa con The Strokes, cosa que ya tuve ocasión de observar la primera vez que lo vi en directo en la gira de presentación de ‘Phrazes for the Young’, cuando arrasó una de las carpas de Coachella en un modesto escenario a las 17h sin más apoyo que su banda y muchas ganas de demostrar que había vida más allá de su banda madre.

Babasónicos, una de las formaciones de rock más queridas en Latinoamérica, hicieron gala de su tremenda versatilidad y saber hacer desplegando un espectáculo lleno de matices. Rock, funk, pop, psicodelia con tintes electrónicos y, en ocasiones, todo ello a la vez, sonó de la mano de los autores de ‘Jessico’, ‘Anoche’ y ‘Mucho’, con un Adrián Dárgelos al frente que sabe sentar cátedra en el escenario.

Con Dorian lo tuvimos todo de cara en la carpa del escenario Caracol. Nos tocó un buen horario y uno de los públicos más animados que nos hemos encontrado últimamente en Latinoamérica. Nos ayudaron cantando con fuerza canciones como ‘El temblor’ o ‘Los amigos que perdí’, y remataron entonando el inicio de ‘La tormenta de arena’ a capella, en uno de los conciertos de esta gira que más hemos disfrutado.

Capital Cities arrastran el sambenito de ‘Safe And Sound’ (que acapara buena parte de la atención en sus conciertos), y lo seguirán arrastrando a lo largo de toda su dilatada gira a pesar de contar en su repertorio con buenos temas como ‘Kangaroo Court’ o ‘I Sold My Bed, But Not My Stereo’. Tienen un buen directo y facilidad para hacer melodías pegadizas. Si saben aprovechar la oportunidad que les ha abierto su megahit, el público prestará más atención a todas las canciones de su siguiente álbum.

Y cerrando ese escenario, Phoenix, cuya evolución en directo he podido ir siguiendo desde sus inicios. Hay que reconocer a los franceses el esfuerzo que han hecho en los últimos años por mejorar su espectáculo, que de un tiempo a esta parte combina muy hábilmente pasajes instrumentales rockeros, electrónicos y nueva oleros con sus archiconocidos hits. Tal vez ahí radique la fuerza de su show. La banda está todo el tiempo llamando la atención, haciendo que sucedan cosas encima del escenario y empatizando con el público sin necesidad de arengarlo permanentemente. Se les criticó mucho la falta de rodaje cuando actuaron en el Primavera Sound. En Estéreo Picnic estuvieron francamente bien.

A punto estuvieron Red Hot Chili Peppers de no llegar a tiempo para su actuación, una de las más esperadas de la segunda jornada del festival. Los accesos de entrada y salida de Bogotá suelen estar colapsados varias veces al día, y si a esto le sumas un movimiento extra de 20.000 personas dirigiéndose al festival el resultado es, por momentos, catastrófico. La banda californiana quedó atrapada en el tráfico bogotano, pero llegó a tiempo para ofrecer un espectáculo no muy distinto al que hemos podido ver por estos lares en sus últimas presentaciones. Tal vez no estén en su cénit creativo, pero cuando empiezan a caer hits uno detrás de otro son capaces de poner a saltar a las piedras. A diferencia de lo que han hecho en otros festivales por el mundo, no se olvidaron de tocar casi todos sus temas importantes desde ‘Mother’s Milk’.

Por el escenario Tigo pasaron, antes de RHCP, la mexicana Natalia Lafourcade, que está viviendo uno de sus momentos más dulces y logró una notable comunión con el público; los también mexicanos Zoé, que se han convertido gracias a una trayectoria impecable en una de las bandas de referencia en todo el continente; y Pixies, cuya presentación en Estéreo Picnic era la primera de toda su carrera en tierras colombianas. Zoé variaron el orden de su repertorio con respecto a lo que venían tocando en sus últimos conciertos, centrándolo además en temas de la banda muy conocidos en Colombia como ‘Vía Láctea’, ‘Poli’, ‘Luna’, o sus más recientes ’10 A.M.’, ‘Cámara lenta’ o ‘Arrullo de estrellas’. Pixies por su parte no escatimaron en hits y, más motivados y comunicativos que de costumbre, fueron soltando uno tras otro temas como ‘Monkey Gone To Heaven’, ‘Here Comes Your Man’, ‘Debaser’, ‘Allison’ o ‘Where is My Mind?’, que combinaron con sus recientes ‘Bagboy’ o ‘Indie Cindy’.

Al contrario que sus compatriotas Capital Cities, Vampire Weekend no se las tienen que ver con públicos ávidos de escuchar una canción en particular. Sus tres discos han recibido la atención mediática que merecían y el público se puso de acuerdo con la prensa desde su homónimo álbum de debut. En Bogotá se las cantaron casi todas, empezando por ‘A-Punk’, cuya letra todos los presentes en la carpa Caracol corearon entera.

Si Vampire Weekend han ganado mucho en actitud sobre las tablas en los últimos dos años, parece que Savages la llevan de serie. Oscuras, violentas, ruidosas, sofisticadas, así sonaron las canciones de ‘Silence Yourself’. Puede que la sombra de Siouxsie & the Banshees se alargue sobre la banda, pero en directo el músculo y la actitud del cuarteto londinense dinamita prejuicios.

Y de la oscuridad a la luz. Cut Copy siguen paseando por el mundo su particular verano del amor, haciendo sudar y bailar sin tregua al personal. Su directo puede resultar algo plano por momentos, con una repetición acaso excesiva de ciertos recursos, pero no hay duda de que es altamente efectivo. Desde el escenario pude observar cómo superaban numerosos problemas técnicos sin que el público lo notara.

‘We Are The People’, ‘Walking On A Dream’ y ‘Alive’: es difícil que una carpa no caiga rendida a los pies de una banda con temas tan conocidos, bailados y remezclados como estos. Frente al escenario Caracol no cabía un alfiler cuando Empire of the Sun lo invadieron con su propuesta teatral y colorista. Por las impresiones recogidas al final de su actuación, las coreografías no acabaron de convencer a parte del público, y tal vez el repertorio resultó demasiado repetitivo en lo referente a los recursos rítmicos y las dinámicas, pero eso es lo que está en sus discos, y en este sentido la banda no engaña. O lo tomas o lo dejas.

La última jornada del festival tuvo como claros protagonistas a los ya mencionados Bomba Estéreo, a los míticos Fabulosos Cadillacs y a Jovanotti. El italiano se metió en el bolsillo al público colombiano con recursos creativos como un rap dedicado exclusivamente a Colombia (que incluía menciones a Macondo y a la montaña bogotana de Monserrate) y con un derroche de empatía y de calidad musical extraordinario. Lo del rap medio improvisado dedicado al lugar en el que está tocando es algo que ha hecho en otras ocasiones, pero qué quieren que les diga, es realmente difícil hacer eso. Por lo demás, el set estuvo muy orientado a potenciar la parte más latina de su repertorio, con desarrollos instrumentales caribeños mezclados en ocasiones con funk y rock. Eché de menos al Jovanotti de temas como ‘Il Più Grande Spettacolo Dopo Il Big Bang’ o ‘L’Amore Che Ho’, pero la verdad es que cuando empezó a sonar una versión acelerada de ‘Penso Positivo’ volaron copas y camisas.

En el escenario Tigo se vivió la cara y la cruz de una misma moneda. Gogol Bordello se entregaron a un espectáculo de combustión rápida cuyo arranque hizo presagiar todo lo que sucedió después. Nada nuevo bajo el sol desde que los viera por primera vez en 2008. Puede que la banda, que está embarrada en disputas legales con su cantante Eugene Hütz, no esté pasando por su mejor momento, pero lo cierto es que se les empieza a notar una alarmante falta de ideas.

Los Fabulosos Cadillacs, en cambio, se llevaron el gato al agua tirando de oficio y ofreciendo un espectáculo cuyas energías saben dosificar, enriqueciendo los distintos tramos del set con diversas dinámicas. Ya había visto a México enloquecer con sus conciertos, y en Estéreo Picnic canciones como ‘Manuel Santillán’, ‘El León’ o ‘El Aguijón’ se las cantaron y bailaron (sin poder reprimirse) hasta los vigilantes de seguridad y los camareros del festival, cosa que demuestra la dimensión realmente popular que tiene la banda argentina también en Colombia. El día, más soleado que los anteriores, permitió al público disfrutar también del folk de la cantautora chilena Camila Moreno, de los puertorriqueños Cultura Profética y de The Wailers, rematando tres días de festival a lo largo de los cuales la organización no escatimó en la calidad del sonido, en sorpresas (fuegos artificiales, sesiones no anunciadas como la de The Bloody Beetroots) y en el acondicionamiento de un recinto cómodo y agradable que sin duda invita a repetir la experiencia.

Fotos: Caballero Nicolás / Isabel Hernández

Ayer dio comienzo la 9ª edición del Bilbao BBK Live, la primera que consigue vender todas sus entradas con un mes de antelación, con un cartel que ha huido de los dinosaurios para atraer al público no afín a este tipo de eventos. Lejos quedan ya los tiempos en los que Fito y los Fitipaldis, Sting o Tequila eran cabezas de cartel y la evolución que comenzó hace tres años ha llegado a su cumbre este año. Los resultados están a la vista: la venta de tickets nunca ha sido mejor y la media de edad del festival ha bajado considerablemente.

Pero más allá de los problemas que la localización del festival implica -las colas para subir en autobús no tenían nada que envidiar a las de One Direction-, el aumento del número de escenarios y la ampliación de la carpa Sony, Vodafone en años anteriores, permitieron que los 40.000 asistentes de ayer no sufrieran ataques de ansiedad ante tanta congregación humana.

A nivel musical, los grandes triunfadores de la jornada fueron Hercules & The Love Affair, que venían a presentar el notable ‘The Feast of the Broken Heart’. Un simpatiquísimo Andy Butler, acompañado de Mark Pistel en la dirección, y con dos vocalistas increíbles -Rouge Mary, una especie de Grace Jones con rasgos hispanos y Stef Gustaph, un Jimmy Sommerville con sombrero de Juanito Valderrama-, los de Nueva York sonaron fantásticamente bien e hicieron bailar a la abarrotada carpa Sony como si tuvieran un hijo en la cárcel. Junto con ‘Blind’, un HIT se mire por donde se mire, una de las canciones más celebradas fue ’05:43 to Freedom’. Desde aquí, nuestro más sincero pésame a los que prefirieron ver, otra vez, a Vetusta Morla porque se perdieron uno de los mejores shows que se han visto nunca en el Bilbao BBK Live a pesar del pequeño fallo que tuvieron con los equipos.

La perfección sonora y visual de Hercules & The Love Affair se lo dejó un poco difícil a Franz Ferdinand, grupo cuya solvencia en directo no admite duda pero que ayer sonó deslavado y falto de sonido te colocaras donde te colocaras. Y no será por repertorio: comenzaron con ‘No You Girls’, del infravalorado ‘Tonight’, y fueron cogiendo hits de toda su discografía hasta que llegaron a la parte final del set encadenando ‘Take me out’ -máximo exponente de “canción trololo”-, ‘Love Illumination’, ‘Ulyses’ y el ya clásico numerito de ‘Outsiders’ con los 4 aporrando la batería. Por si eso no fuera dejarlo en todo lo alto, volvieron con los bises: ‘Jacqueline’, “Goodbye Lovers and Friends’ y un ‘This Fire’ que puso fin a un show que mereció mejor sonido.

Pero antes de todo esto, los ganadores del concurso Banden Lehia, Eskean Kristö, fueron los encargados de dar comienzo al festival en una carpa Sony que disfrutó bastante del grupo y, sobre todo, de la versión de los Who que interpretaron con un sonido atronador que ya hubiese querido Franz Ferdinand. A las 19:00, los asistentes tuvieron que elegir entre Allen Stone, la dosis de soul habitual en el festival, y los White Lies, que fueron los que finalmente se llevaron el gato al agua en el escenario Heineken. Stone supo meterse también al público en el bolsillo gracias a sus cualidades vocales y a la versión del ‘Is This Love’ de Bob Marley que regaló a los asistentes.

Otro de los triunfadores del festival, y protagonista de la sorpresa del día, fue John Newman. No sé si alguien daba un duro por él pero la banda que llevó, las coristas y sus pasos de baile a lo Michael Jackson hicieron crecer bastante los temas de su discreto debut hasta tal punto que dejó tiritando el escenario principal con el “sing along” final de ‘Love me Again’.

Phoenix y Crystal Fighters supieron jugar con la pequeña decepción que supuso Franz Ferdinand y ofrecieron dos conciertos bastante notables. Los franceses quizás salieron perjudicados porque el escenario Heineken se les quedó pequeño y la aglomeración del público era pelín excesiva. Aun así, los autores de ‘Lisztomania’ fueron desgranando sus hits -unos cuantos, por cierto- sonando cuasi perfectos. Empezaron por ‘Entertainment’ y ‘Too Young’ dejando ’1901′ para el final y sin olvidarse de ‘If I Ever Feel Better’. Ya en el escenario principal, los intérpretes de ‘At Home’ convirtieron el BBK Live en una fiesta en la que era imposible no bailar. Vestidos de indios, en plan CocoRosie, los ingleses, con sus arreglos electrónicos mezclados con una txalaparta sui generis, colaboraron también al éxito de esta primera jornada.

Fotos: Tom Hagen, Rythm&Fotos, MusicSnapper

La noticia Bilbao BBK Live 2014: Hercules, grandes triunfadores del jueves es de jenesaispop.com.

Carly Rae Jepsen no es la única que ha decidido versionar un villancico pop para Navidad. A ella se le suman ahora Phoenix aunque su elección es menos obvia que ‘Last Christmas’ de Wham! De hecho, es tan poco obvia que es una rareza de The Beach Boys llamada ‘Alone on Christmas Day’. Lo mejor de todo, sin embargo, es que la versión incluye a un artista invitado de excepción: Bill Murray. La conexión no es casual, pues Phoenix aparecen junto a varios otros artistas como Miley Cyrus en el nuevo especial navideño para Netflix ‘A Very Murray Christmas’.

Escucha la versión, bastante mona, a continuación:

La noticia Phoenix versionan un villancico de The Beach Boys… ¡con Bill Murray! es de jenesaispop.com.

JENESAISPOP cumple esta semana 10 años online. Como sabéis, lo celebramos este viernes 26 de febrero con un concierto en OchoyMedio, Madrid (entradas.com). También sonarán algunas de las canciones de las que os hemos hablado durante esta década. Estas son algunas de ellas recopiladas en una lista que no es exactamente un top de las mejores canciones del siglo o del período 2006-2015 votado por la redacción, sino más bien una serie de temas que simplemente han ido definiendo nuestra línea editorial.

The Pipettes / Pull Shapes

La primera canción del año de JENESAISPOP fue este temazo de las Pipettes. Corría el año 2006 y todavía no había explotado la moda neo-soul ni la reivindicación girl-group que veríamos después. Amy Winehouse sacaría ‘Back to Black’ a finales de año en UK y en 2007 en el resto del mundo, pero era el 3 de julio -el mismo día que ‘Smile’ de Lily Allen, más orientado hacia el hip-hop- cuando se editaba esta canción de 3 minutos casi exactos y por tanto tan apta para el Festival de Eurovisión. La letra contenía una estrofa que servía como declaración de intenciones a cualquier enamorado del pop por encima de estilos (“I like to disco / I like to rock ‘n’ roll / Well, I like to hip hop / We can do it all, just don’t let the music stop”), aunque era la música lo que de verdad nos apasionaba: una exquisita intro de hasta 40 segundos muy poco habitual a día de hoy, una orquestación estimulante y un gran ritmo detrás del que corrían nuestros pies. Una suerte haberlas podido ver en el FIB antes de que cambiaran de formación, de estilo y se separaran.

Mención especial: The Long Blondes / Once and Never Again

Belle & Sebastian / Dress Up In You

Diez años después continuamos defendiendo las buenas cualidades de los nuevos Belle & Sebastian vistos en ‘The Life Pursuit’, esos que no se cortan en coquetear con el disco o el funk. Algunos incluso defendemos sus últimos pasos pese a las corrientes de opinión. Su largo de 2006 incluía maravillas como ‘We Are the Sleepyheads’ (luego replicada por Russian Red), temas clásicos como ‘Another Sunny Day’, la canción lipdub ‘The Blues Are Still Blues’ o la preciosa ‘Dress Up In You’, en la que Stuart parece cantar a la marcha de Isobel Campbell: “I’m the singer in the band / You’re the loser”, empieza diciendo sin mucho convencimiento para enseguida rendirse: “I won’t dismiss you out of hand / Cos you’ve got a beautiful face / It will take you places”.

Mención especial: Butcher Boy / I Could Be In Love With Anyone

Herbert / Something Isn’t Right

Si una canción ha probado en estos años que música pop e intenciones arty pueden ir de la mano esa ha sido ‘Something Isn’t Right’ del estupendo ‘Scale’ de Herbert. El inteligente productor anticipa su ruptura y despedida profesional y artística de Dani Siciliano en esta meticulosa producción con cuerdas capaces de llevarte al cielo, en la que destaca el sugerente contraste de voces entre la rugosidad y la seda de Dave Okumi, Neil Thomas y la propia Siciliano. Todavía emociona a día de hoy ese coro de Dani que repite “I don’t feel love”.

Mención especial: Chairlift / Ch-Ching

Camera Obscura / Lloyd I’m Ready To Be Heartbroken

Los escoceses, casi oficialmente “los nuevos Belle & Sebastian”, nos habían derretido por completo con canciones de sus primeros álbumes como ‘Eighties Fan’, ‘Suspended from Class’ o mi favorita ‘Happy New Year’. Pero sin duda su hit “crossover”, el que les hizo saltar del sello español Elefant al mundo, fue este tema tontamente dedicado a Lloyd Cole (pudimos preguntarle a Lloyd por él unos cuantos años después), de punteos hipnotizantes y cuerdas espectaculares. Una canción tan bien estructurada que no se puede dejar de subir su volumen o rebobinar partes favoritas mientras va avanzando. Esperemos que puedan salir adelante tras la pérdida de Carey Lander, a la que entrevistamos por mail aquel 2006.

Mención especial: The Divine Comedy / A Lady of a Certain Age

Lily Allen / Smile

Uno de los trucos de la canción pop es empatizar con el público. Esta lo lograba desde sus primeros segundos con una letra que pasaba de la desolación (“When you first left me / I was wanting more / But you were fucking that girl next door / What’d you do that for?”) a la esperanza (“I was so lost back then / But with a little help from my friends / I found the light in the tunnel at the end”). La melodía y los discretos pero acertados arreglos se orquestaban entre la tradición girl group y la jamaicana con unas gotitas de la Lauryn Hill de “The Miseducation”.

Mención especial: The Streets / Everything Is Borrowed

Nelly Furtado / Maneater

Nunca sabremos cuán disfrazada para el éxito estaba Nelly Furtado en su “blockbuster” -un pelotazo inimaginable para ella a día de hoy- ‘Loose’. El álbum vendía tantos millones de copias en 2006 que en aquel momento podía ser la envidia de la mismísima Rihanna, y una de sus principales responsables fue esta impecable producción de Timbaland tan representativa de su tiempo. Después de esta o la también destacable ‘Promiscuous’, las cosas nunca volverían a ser igual para Nelly Furtado, pero la producción de hace 10 años de estas dos canciones tan sexys en su función de “devorahombres” ha resistido estupendamente el paso del tiempo.

Mención especial: Madonna / Rebel Heart (Demo 4) 4 Minutes ft Justin Timberlake

Yelle / Je veux te voir

Uno de los grupos de pop fundamentales durante estos 10 años venía de Francia. Yelle debutaban en el verano de 2006 con este tema tan “voyeur” (¿hay palabra más francesa?) que alternaba bases oscuras con sintetizadores electropop y pseudo-rapeados. Toda una explosión de colores que ya hubiera querido para sí cualquier diva americana -de Katy Perry a Ke$ha- y con varias sucedáneas a la altura: ‘À cause des garçons’, ‘Safari Disco Club’, ‘Que veux-tu’ y ‘Comme un enfant’.

Mención especial: Nicola Roberts / Beat of my Drum

The Knife / Neverland

Grandes cagadas en la historia de JENESAISPOP: ‘Silent Shout’ no estuvo en nuestra lista de los mejores discos de 2006. Lo que en principio se nos antojaba como un grupo demasiado deudor de Depeche Mode o Kraftwerk -que se hubieran hecho famosos con una versión de Jose Gonzalez tampoco ayudaba mucho- se fue revelando pronto como una banda con un discurso propio incluso más sólido e interesante que el de los artistas que les habían influido -comentadas fueron sus defensas del playback y de la comunidad queer, así como del NO culto al artista-. Después, rectificamos. El corte titular de ‘Silent Shout’ o la colaboración con Jay-Jay Johanson están entre lo mejor de su repertorio, pero también este ‘Neverland’ que hasta se podía bailar y pinchar. Mención especial por supuesto también para el debut en solitario de Fever Ray, cuya continuación esperamos para este año.

Mención especial: Chvrches / Recover

Junior Boys / Count Souvenirs

Un tanto sepultada por lo que gustaron ‘In The Morning’ o la pista que daba nombre a su disco de 2006 ‘So This Is Goodbye’, quedaba esta gran canción que enumeraba situaciones aleatorias del pasado. El más tonto costumbrismo sonaba extrañamente dramático en la voz de Jeremy Greenspan, sobre todo cuando hablaba de lo que nunca volverá o de la vergüenza con que su ex pareja miraba a ese mismo pasado en la coda final (“Empty stalls and shopping malls / That we’ll never see again (…) Time compares us, you feel embarrassed / Like you drive your parent’s car / On another road, in another road / Kept in a jar”). No hay que saber inglés para averiguar qué significa el modo en que se desvanece la canción.

Mención especial: Röyksopp / Sordid Affair

Sr Chinarro / Del montón

Aquel 2006 en que comenzábamos lo cerrábamos con uno de los mejores discos de Sr Chinarro, si no el mejor: ‘El mundo según…’. Lo que habíamos presenciado en ‘El fuego amigo’, muy especialmente en ‘Morado’, se confirmaba: melodías resplandecientes, letras más claras, canciones tarareables que Antonio Luque imaginaba radiadas en Cadena Dial… La más aflamencada esta vez era la mejor, ‘Del montón’, cuyo sentido estribillo “pudo ser un amor del montón, pero todo el montón era mío” era sólo una más de un gran cúmulo de maravillas: coros, palmas y cierre redondo.

Mención especial: Destroyer / Kaputt

Single / Tu perrito librepensador

Si tuviera que elegir la mejor canción de Single, probablemente sería el precioso pasodoble ‘Fotos‘, dedicado al desaparecido cantante de Cancer Moon Josetxo Anitua. Pero probablemente la más icónica continúe siendo ‘Tu perrito librepensador’, tan válida para “perrear” a ritmo de reggaetón como para ser disfrutada casi recitada en su versión “acústica” en directo, que ha incluido durante esta década unos inolvidables y divertidísimos ladridos en medio de su rap. Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin de Aventuras de Kirlian y Le Mans se han mantenido plenamente en forma acercando su sonido cada vez más a Jamaica, como en las también reivindicables ‘Rea’ o ‘Me enamoré’.

Mención especial: Shakira / Hips Don’t Lie

Feist / 1 2 3 4

Antes de renunciar a hacer hits en ‘Metals‘ y a hacer discos incluso (llevamos 5 años “sin”), Feist se había entregado a los brazos del pop. La mejor muestra fue ‘1 2 3 4’, que en realidad había compuesto la australiana Sally Seltmann. Adoptada por Apple para una campaña del iPod Nano (!), la composición se transformó en una de las mejores condensaciones de “joie de vivre” realizadas en los últimos años. No podemos dejar de hacer mención a otras canciones esenciales del repertorio de Feist, como ‘I Feel It All’, la tristísima ‘So Sorry’, el ‘Limit to Your Love’ que adoptaría James Blake o ese ‘My Moon My Man’ que transformaría en rompepistas Boys Noize. Cualquiera podría ocupar este lugar (o ‘Inside and Out’ si hubiéramos nacido un par de años antes).

Mención especial: Laura Mvula / Green Garden

La Casa Azul / La revolución sexual

Si después de años bailando ‘Cerca de Shibuya’ en los clubs de moda nos hubieran dicho que el gran clásico de La Casa Azul no iba a estar contenido en su fresquísimo debut ‘El sonido efervescente de La Casa Azul’, no nos lo habríamos creído. Pero en 2007 Guille superaba su debut e incluso hits tan claros del segundo disco como ‘Superguay’ con esta canción NO inspirada en ‘Ritmo de la noche’ que destacaba además de -como siempre- por sus estupendos melodía y arreglos, por el contraste entre lo apasionado de la letra y la calma de su ritmo. Un medio tiempo disco para el despelote que se adelantó a ‘Get Lucky’, realmente diferente al posterior ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’, aceleradísimo. Guille Milkyway también ha trabajado con Papá Topo o con Fangoria, con los que construía un himno cuyo lema “no quiero más dramas en mi vida” estaba a la altura de “a quién le importa lo que yo haga”, “ni tú ni nadie puede cambiarme” o “no sé qué me das, que me hace volar”.

Mención especial: Fangoria / Dramas y comedias

Amy Winehouse / Back to Black

Complicado elegir entre los numerosos singles de ‘Back to Black’: ‘Rehab’ será siempre su canción más emblemática gracias a sus metales y a una letra amarga que presagió la muerte de Amy Winehouse, ‘You Know I’m No Good’ es una canción más compleja y más Amy todavía, la recreación de ‘Ain’t No Mountain High Enough’ en ‘Tears Dry On My Own’ es tan fiel a su espíritu como espectacular e independiente como canción aparte, y ‘Love Is A Losing Game’ ha sido estudiada en las universidades gracias a su bonita letra sobre amores tan grandes que son capaces de incendiar edificios de 5 pisos. Al final, si ‘Back to Black’ permanece como su canción más escuchada en las plataformas de streaming y la escogimos para nuestra lista de mejores temas de 2007, será por algo: pocas obras maestras se han construido sobre un lecho sexual tan dramático, y pocas han resultado tan hermosas y adictivas a partir de acordes al piano tan sencillos.

Mención especial: The Raveonettes / Last Dance

Róisín Murphy / Let Me Know

A pesar de que el “radio edit” era casi tan insoportable como el de ‘Familiar Feeling’ de Moloko, no había nada que un buen plato ladeado en la cabeza no pudiera solucionar, y el vídeo de ‘Let Me Know’ se convertía instantáneamente en uno de los momentos más visuales de la carrera de Róisín Murphy, lo cual era mucho decir. Tampoco había nada que pudiera destruir esta maravilla de composición, que contenía una lección sexy de phrasal verbs y toda la elegancia de la música disco y el piano house resumida en cuatro minutos de co-producción prodigiosa entre la Murphy post-Herbert y Andy Cato. Diosa Róisín, ¿por qué nos has abandonado?

Mención especial: Kylie / Get Outta My Way

Patrick Wolf / The Magic Position

Desde sus inicios en plan cantautor/discípulo aventajado de Björk, Patrick Wolf fue uno de nuestros compositores fetiche. En 2007 nos daba la alegría de nuestra vida con esta esplendorosa canción en la que las cuerdas ni siquiera ejercían de gancho principal pese a aparecer repetidamente durante toda la canción. La luminosidad de la declaración de amor de su estribillo se acercaba al cielo incluso más. Nada, ni siquiera la segunda estrofa (bellísima desde ese “and I know how you’ve hurt”), tan a menudo descuidada en la historia del pop, decaía en esta vibrante ‘The Magic Position’, su gran obra maestra.

Mención especial: The Morning Benders / Excuses

Hidrogenesse / Disfraz de tigre

De todas las ocurrencias que hemos escuchado salir de Austrohúngaro -y han sido unas cuantas antes y después del nacimiento de JENESAISPOP- probablemente la más brillante fue el single de presentación de ‘Animalitos’ de Hidrogenesse. Estrenado en vivo antes de tiempo, ya resultaba inolvidable desde aquellas presentaciones gracias a sus machacones acordes de guitarra eléctrica y a su ocurrente letra que dejaba preguntas sin responder sobre la identidad de cada uno, abriendo casi-casi un debate filosófico y lingüístico.

Mención especial: Ellos / Lo dejas o lo tomas

Jens Lekman / The Opposite of Hallelujah

¿Hicimos trampa al nombrar ‘Back to Black’ mejor disco de 2007 amparándonos en que su fecha de edición fuera de Reino Unido fue marzo de aquel año? No hay problema: considera ‘Night Falls Over Kortedala’ el mejor álbum de 2007 para nuestra redacción. El cantautor sueco Jens Lekman publicaba un largo que probablemente jamás volverá a superar, perfecto en melodías, en sus letras mitad ácidas mitad románticas y en una instrumentación y arreglos “fin de fiesta” que podrían ser la envidia incluso de La Casa Azul. Entre maravillas como ‘And I Remember Every Kiss’ o ‘Your Arms Around Me’, seleccionamos este momento más pop, con su divertido cambio de ritmo.

Mención especial: Sondre Lerche / Sentimentalist

Radiohead / Bodysnatchers

Uno de los días de estos 10 años que recuerdo con más nitidez, uno de esos días que cambiaron el mundo, fue aquel en el que Radiohead anunciaron que lanzaban disco autoeditado con precio a la carta. Después, juntos y por separado, nos seguirían sorprendiendo con álbumes en forma de periódico, lanzamientos vía Torrent, vídeos virales con Thom Yorke bailando ‘Lotus Flower’… pero nunca superarían el impacto mediático de ‘In Rainbows’ ni tampoco su calidad, que defendimos siempre. A pesar de que se componía de algunos cortes que habían venido tocando en vivo desde muchísimo tiempo atrás, como ‘Nude’, los temas estaban excelentemente producidos y eran muchísimo más pop de lo que parecían, como este vibrante ‘Bodysnatchers’ que contaba con una gran subida en los dos minutos finales merced a un bonito punteo.

Mención especial: alt-J / Breezeblocks

M.I.A. / Paper Planes

M.I.A. sólo ha decepcionado en toda su carrera cuando ha colaborado con Madonna y un poquito en ‘MAYA’, que pese a todo incluía cortes rescatables como ‘Born Free’ y ‘XXXO’. ‘Matangi’ nos traía canciones tan actuales como ‘Bad Girls’ y ‘Come Away With Me’, pero antes de Julian Assange, antes del sample del botón de subir y bajar el volumen de los macs, M.I.A. triunfaba de manera insólita con ‘Paper Planes’. Asistimos atónitos a aquel momento en que llegaba al top 4 del Billboard Hot 100, momento que jamás se volvió ni se volverá a repetir, con la fabulosa ‘Paper Planes’, que todavía suena guerrera a día de hoy con su sample de balas y cajas registradoras (¡bravo!). Producían ya en 2007 Major Lazer, por aquel entonces su novio Diplo y Switch.

Mención especial: Major Lazer ft DJ Snake & Mø/ Lean On

Burial / Archangel

Uno de los productores más enigmáticos del siglo, al menos hasta que descubrió el selfie, fue Burial. El artista, uno de los precursores del dubstep, publicaba dos discos en 2006 y 2007 (desde entonces sólo ha editado EP’s y singles) resultando fundamental para el desarrollo de artistas como James Blake o FKA twigs. Después, el dubstep se pervertiría de mala manera por los atajos de Skrillex, si bien hay que reconocer que también esa vertiente más pop y macarra ha sabido dar lugar a hits imperecederos en los que se mezclan estos sonidos con el revival del drum&bass y el house noventero, con la EDM y con el “todo vale” (pienso en el debut de Rudimental).

Mención especial: The Field / Everyday

Hot Chip / Ready for the Floor

De entre todo el arsenal de hits de Hot Chip, ya válido para llenar recopilatorio y medio, el mejor continúa siendo, como a ellos tanto les gusta, un segundo single (como la adorable ‘I Feel Better’ o recientemente ‘Need You Now’). ‘Ready for the Floor’ presentaba una gran producción llenapistas que desgraciadamente ninguna diva ni ningún divo quiso adaptar ni samplear, a pesar de la fuerza de su ambiguo estribillo “you’re my number 1 guy”.

Mención especial: Little Boots / Remedy

Goldfrapp / A&E

Probablemente la canción más bella que jamás hayan escrito Goldfrapp, incluso por encima de ‘Utopia’ o de las que compusieron para su último álbum, el otoñal ‘Tales of Us’. Ni la repetición holgazana de la primera estrofa lograba enturbiar este escalofriante relato de ¿un suicidio? que lleva a Alison con un bonito vestido “sin espalda” a la sala de Urgencias, aparentemente tras tomar un frasco de pastillas al no haber recibido esa esperada llamada…

Mención especial: Fiona Apple / Every Single Night

Mónica Naranjo / Europa

El susto que nos dio Mónica Naranjo en la primavera de 2008 con la edición de ‘Europa’ no creo que lo haya olvidado ningún lector de JENESAISPOP mayor de 25 años. Definida en su época por El Cliché algo así como una canción “tan moderna que hoy ya es 19 de marzo en lugar de 18 de marzo”, reúne todos los ingredientes que nos encantan en “Europa”: producción británica, guitarras metaleras aptas para alemanes y escandinavos, cuerdas barrocas, coros operísticos, pasiones descontroladas amaneradas pero con dicción catalana, demostración políglota en un alemán completamente ininteligible, francés, italiano, un poquito de arte en el deconstructivismo de su vídeo, una poquita de historia en las referencias bélicas como en recuerdo del origen de las Guerras Mundiales… y también un poquito de tango. Una canción que dejaba en ridículos pañales la producción más estridente de Queen y que terminaba de redondear una letra que hablaba de la decadencia (¿propia? ¿de Europa? ¿ambas?) de manera explícita o implícita. ¿La cumbre? “Oigo las bombas, águilas de terror / y sueño en la basura / que vuelven tu figura / y me refugio en el alcohol”… poco después de cantar como ebria, y mucho antes de que lo hiciera Kendrick Lamar (aunque décadas después de Los Brincos). Vanguardia pura. Una obra maestra.

Mención especial: Of Montreal / The Past Is A Grotesque Animal

Coldplay / Viva la Vida

Nunca esperamos ver a Coldplay coronar una lista de Rockdelux con algo, pero el grupo de Chris Martin lo lograba con esta canción emblemática que daba título a su cuarto álbum. Convertida en su himno gracias a sus arreglos de cuerda y a su graciosa letra inspirada en un cuadro de Frida Kahlo sobre un rey que ha perdido todo su reino y al que el pueblo va a cortar la cabeza, la composición superaba las comparaciones con Alizée y Joe Satriani para arrasar con su propia entidad. Era, además, completamente diferente a lo que Coldplay habían hecho antes, y a lo que firmarían después con Avicii o sampleando ‘I Go To Rio’. Un grupo, en definitiva, mucho más versátil de lo que parecía e incluso que U2, pese a que todavía no haya hecho un disco realmente electrónico.

Mención especial: Sparks / (Baby, Baby) Can I Invade Your Country?

Nena Daconte / Tenía tanto que darte

JENESAISPOP siempre ha sido POP antes que indie y no dudamos en incluir este temazo entre las mejores canciones de su año y en pincharlo en cuanto nos ponían una mesa de mezclas por delante circa 2008. ‘Tenía tanto que darte’, tan gafe como resultaría después el ‘Ojo por diente’ de Klaus & Kinski, era una celebración de los buenos recuerdos tras una ruptura, cuyo vídeo no podía ser más estiloso entre modelitos de Fred Perry y patines como sacados del atrezzo de La Casa Azul. Una vez separados, Mai Meneses y Kim Fanlo intentarían de todas las maneras posibles repetir esta pedazo de diana por su cuenta pero jamás lo conseguirían…

Mención especial: Dorian / A Cualquier otra parte

The Killers / Human

¿Recordáis las listas que se publicaban en medios de los 80 bajo el epígrafe “los temas más bailados”? Si tal cosa hubiera existido durante los últimos 10 años, en los primeros puestos estaría esta enorme producción de Stuart Price para The Killers. Viniéndose arriba tras ‘Confessions on a Dance Floor’, Price terminaba de redondear esta sintética producción de la banda de Brandon Flowers hecha para despegar, para volar, para bailar con los brazos en alto, muy especialmente después del primer estribillo. Mención especial para el curioso texto “Are we human or we dancer?”, inspirado en un ensayo de Hunter Stockton Thompson que venía a decir que “América estaba criando una generación de bailarines”. También icónico vídeo.

Mención especial: Ladyhawke / My Delirium

nudozurdo / Mil espejos

Comenzábamos este especial hablando de intros instrumentales largas y la de ‘Mil espejos’ de nudozurdo dura dos minutos. Nadie como Leo Mateos consiguió reunir en un disco el espíritu de Eduardo Benavente, The Cure y Nick Cave, siendo ‘Mil espejos’ la más redonda de sus muchísimas buenas canciones, de la ahogada ‘Ha sido divertido’ a la desesperada ‘Prometo hacerte daño’ pasando por supuesto por la predicadora ‘Hijo de Dios’. Además, a pesar de sus referencias arty, parece que a Leo le gusta el pop: recientemente reivindicaba a una banda que le era tan ajena como Tremenda Trementina. ¿Por sus venas sangre pop?

Mención especial: Tremenda Trementina / Sangre pop

Portishead / Machine Gun

Portishead siguen siendo tan rácanos como cuando llegamos: en estos 10 años tan sólo han publicado un disco. Pero qué disco. ‘Third’ fue tan bueno que nadie se atreve a preguntar cuándo vuelven Portishead: todos sabemos que lo harán cuando merezca la pena, cuando tengan una balada tan maravillosa como ‘The RIP’ o un pelotazo tan llamativo como este post-kraut impresionante de ‘Machine Gun’, cuya puesta en escena crepuscular en Benicàssim -entre otros escenarios- ha sido lo mejor que he presenciado en directo en esta década.

Mención especial: Julia Holter / Sea Calls Me Home

Duffy / Mercy

“Olvidaos de Adele, Duffy es la que se lo va a llevar calentito como nueva Amy”. Algo así llegué a escribir sobre el primer disco de esta cantante en algún lado. Y no me termino de arrepentir. Es verdad que ya cuesta mucho, muchísimo recordar que Duffy, en principio, vendió más del doble que la baterista de ‘Hello’ de su debut. Sin embargo, simplemente una tuvo mucha más suerte que la otra, las dos estaban bien. No sólo salvaría la mitad baladesca del segundo álbum de Duffy, un flop histórico, sino que ‘Warwick Avenue’ igual es mi canción de amor favorita de esta década. Un homenaje en su vídeo al ‘Nothing Compares 2-U’ de Sinéad O’Connor (más digno que el que perpetraría Miley Cyrus después), pero que, no obstante, siempre estaría un peldaño por debajo de su macrohit, este ‘Mercy’ que incluso en su vídeo bebía del mejor Northern Soul. Pies moviéndose hasta arder. Un clásico.

Mención especial: Slow Club / Suffering You, Suffering Me

Cut Copy / Hearts On Fire

El pop sintético que nos llegaba desde Australia en estos 10 años constituía casi, casi un movimiento. Cut Copy eran la banda más representativa gracias a un tipo de electrónica ahijada de la generación “French touch” pero que tiraba por ramalazos más épicos, oníricos y evocadores (todavía). Este ‘Hearts on Fire’ no le quitaba el ojo a la pista de baile alternando cosas tan variadas como guiños acid, un punteo completamente post-punk y un saxo.

Mención especial: Friendly Fires / Jump in the Pool

Fleet Foxes / White Winter Hymnal

No puede haber pereza ninguna hacia el folk cuando contiene melodías tan accesibles e inolvidables desde la primera escucha como esta. ‘White Winter Hymnal’, efectivamente todo un himno navideño, se convertía en la canción más importante de la carrera de unos Fleet Foxes que, primero, lograrían mantener el nivel en ‘Helplessness Blues’ y, segundo, decidían retirarse temporalmente quizá asustados por el monstruo que habían creado sin darse ni cuenta. Alucinante lo que lograron con esta canción que, como ellos mismos han indicado, no significa nada, por mucho que se te pegue esa fantástica melodía vocal enterita desde “I was following the pack” hasta “And, Michael, you would fall, and turn the white snow red as strawberries in the summertime”. Pura musicalidad para el coro.

Mención especial: Bon Iver / Calgary

Christina Rosenvinge / La distancia adecuada

Christina Rosenvinge había publicado discos interesantes en solitario tras su aventura en Christina y los Subterráneos. Pero todo cambiaba el día que se presentaba con tres vídeos distintos de Luis Cerveró -mucho antes de ser quien es hoy- ‘La distancia adecuada’, el anticipo de su obra maestra ‘Tu labio superior’. Una canción compartida con Nacho Vegas tras su aventura (romántica y profesional) en ‘Verano fatal’, en la que era ella quien le arrasaba a él pese a su lánguida voz, ideal de hecho para esta canción tan medida, en la que se estimula la imaginación de los fans para que averigüen quién demonios era aquella señorita que rimaba con Christina en este delicado y a la vez espectacular estribillo. Bueno, estaba claro…

Mención especial: Nacho Vegas / La gran broma final

The Last Shadow Puppets / Standing Next To Me

Lo primero que JENESAISPOP publicó no fue una reivindicación del pop a secas nacional ni internacional, sino un “Versus” sobre el debut de Arctic Monkeys. La banda de Alex Turner generaba opiniones encontradas entre los miembros fundadores, pero poco a poco todos nos reconciliaríamos con ellos (‘Crying Lightning’, todo ‘AM’). En ese camino jugó un papel fundamental la edición de un disco paralelo de Turner junto a Miles Kane. Arreglado por Owen Pallett y producido por James Ford, ‘The Age of the Understatement’ era una reivindicación del spaghetti western y de los años 60, todavía más retro que Arctic Monkeys, cuyo mejor resumen era este beatliano single de 2 minutos de duración. Perfecto.

Mención especial: Owen Pallett / Lewis Takes Off His Shirt

Hercules & Love Affair / Blind

Cómo podía encajar tan bien la voz de Antony Hegarty, que nos había emocionado años atrás en ‘I Am A Bird Now‘, en un éxito de disco junto al housero Andy Butler de Hercules & Love Affair es algo que nadie se podía explicar. Por eso ‘Blind’ es una de las canciones más mágicas de esta década, sonando como una celebración eufórica en la pista de baile de la aceptación de uno mismo después del dolor expresado por Hegarty en su disco de mayor exposición. Butler volvería a lograr algo muy parecido después con John Grant, pero Antony ni versionando a Beyoncé volvería a hacernos bailar tanto, lo que convierte este ‘Blind’ en un tema más excepcional, si cabe.

Mención especial: John Grant ft Sinéad O’Connor / GMF

MGMT / Kids

Ni en mil años habríamos adivinado la que se venía encima de MGMT la primera vez que escuchamos ‘Kids’ o la primera vez que escuchamos ‘Time to Pretend’. Podríamos debatir durante horas si su mejor disco y su mejor canción eran en verdad ‘Congratulations’, pero no podemos pasar por alto la de pistas de baile que hemos visto llenarse en cuanto han sonado los primeros acordes de esto. El grupo, más que esquivo y escurridizo, dio más de un quebradero de cabeza a Sony y a los festivales que querían programarlos para una retahíla de hits, pero aunque ya nunca vuelva a ser “lo de antes”, su personalidad han sabido mantenerla a través de sus psicodélicos cambios estilísticos.

Mención especial: Lo-fi-fnk / Wake Up

Pet Shop Boys / Love Etc.

Como Saint Etienne, Pet Shop Boys no han terminado de lograr el éxito merecido con sus últimos discos. Pero eso no significa que no nos hayan dado buenas canciones, la lista es bien larga: ‘Minimal’, ‘Integral’, las baladas ‘Invisible’ -tan significativa por su letra- y ‘Leaving’, los llenapistas ‘Vocal’ y ‘Love Is A Bourgeois Construct’, esta última ahora replicada por Fangoria… La más sutil y a la vez bailable, la que podría haber aparecido tanto en su recopilatorio “art” como en su recopilatorio “pop” es esta ‘Love, Etc’, que podía acercarse más al primer grupo, pero se dejaba oír en bucle como las del segundo.

Mención especial: Saint Etienne / Tonight

The Pains of Being Pure At Heart / Young Adult Friction

A pesar de sus cambios de formación (muy especialmente del abandono de Peggy Wang), permanece el encanto de las canciones de Kip Berman, sobre todo en los corazones de sus seguidores españoles, a los que tantísimas veces “The Pains” han visitado desde su aparición. Los ritmos de buen indie-pop y las potentes baterías de este tema o ‘Heart in Your Heartbreak’ nos han hecho vibrar una y otra vez y lo seguirán haciendo con toda seguridad para siempre. Quien no haya botado con esto en directo en estos 10 años es que no ha vivido en este país.

Mención especial: Morrissey / I’m Throwing My Arms Around Paris

Bat For Lashes / Daniel

Repetidas veces nos había dado Bat for Lashes avisos de que su talento era grande, de que no era sólo una seguidora de Björk. Pero la canción que dejó atrás de una vez y para siempre cualquier comparación con otras artistas, incluso con Kate Bush, era esta deliciosa ‘Daniel’ contenida en ‘Two Suns’. Además de bailable como un hit ochentero de la radiofórmula (de los tiempos en que se pinchaban cosas como Pet Shop Boys), ‘Daniel’ lograba sonar profundamente evocadora con la suave pronunciación de este nombre masculino, mientras su letra mantenía un tono misterioso que huía con ingenio de la interpretación edulcorada.

Mención especial: Austra / Lose It

La Roux / In for the Kill

Por mucho que Alison Goldfrapp dijera que le parecía estar escuchando a Alvin y las Ardillas cuando oía la voz de Elly del entonces dúo La Roux; por mucho que su directo abusase de los pregrabados, sus producciones se situaron en la delantera del revival synth-pop de finales de la década pasada. ‘In For the Kill’ o ‘Bulletproof’ estaban tan metidas en su papel que hasta tenían hombreras.

Mención especial: New Order / Tutti Frutti

The Drums / Let’s Go Surfing

Aunque terminaran hasta el gorro de las comparaciones y ellos fuesen en realidad más de coleccionar discos de Sarah Records, entre otras cosas (“Me encantan, de verdad, es obvio, pero me gustan más por ejemplo Orange Juice o The Wake”, nos decían), los mejores “Smiths” de los últimos tiempos han sido The Drums. Antes de pervertirse por caminos más inhóspitos, tenían los punteos a lo Marr, la acidez de las letras (“you were my best friend and then you died” en ‘Best Friend’), la preocupación por la canción clásica (‘Down By The Water’) y los hits. No fueron “one hit wonders”: existieron ‘Money’ y ‘Forever and Ever Amen’, aunque es cierto que siempre se les asociará inmediatamente con la canción del silbidito.

Mención especial: Peter Bjorn and John / Young Folks

Yeah Yeah Yeahs / Zero

Antes de que ‘Mosquito’ se presentara con un temazo góspel, Yeah Yeah Yeahs nos conquistaban otra vez con ‘Zero’. Como picados por que canciones más rockeras como ‘Date With The Night’ se hubieran pinchado en las pistas de baile alternativas de todo el mundo, el grupo de Karen O hacía esta pequeña concesión al techno que, como ‘Sacrilege’, toma una idea o dos de los Primal Scream más electrónicos. Todo tan efectivo que su tema más famoso ha terminado siendo una remezcla de ‘Heads Will Roll’.

Mención especial: The Vaccines / Post Break-Up Sex

Phoenix / 1901

Muy lejos artísticamente de la preciosa ‘If I Ever Feel Better’, más orientada al suave disco-funky, Phoenix se convirtieron en improbables llenaestadios y en uno de los grupos franceses más famosos de la historia en Estados Unidos gracias a canciones pop con mayúsculas como este ‘1901’ o ‘Lisztomania’. Después se tirarían por la ventana con el muy bien titulado ‘Bankrupt!’, pero los tiempos de ‘Wolfgang Amadeus Phoenix’ no los olvida ningún aficionado al estribillazo.

Mención especial: Two Door Cinema Club / What You Know

Girls / Lust For Life

Votada por nuestros lectores como mejor canción de 2009, ‘Lust for Life’ era una de esas composiciones indies lo-fi hechas con muy, muy poco, que sirven no obstante como himnos generacionales. No fue gracias a su vídeo con polla de famoso de regalo sino a su inmediatez que ‘Lust for Life’ era la canción más memorable de un dúo que se disolvería tan sólo tras dos discos pero que antes nos dejaría ‘Honey Bunny’, ‘Laura’ o ‘Vomit’, postulando a Chris Owens más que como nuevo Kurt Cobain, como parecía físicamente -incluso portando camisetas de Nirvana– como un gran autor a secas.

Mención especial: Cass McCombs / Dreams-Come-True-Girl (ft Karen Black)

Lady Gaga / Bad Romance

Lady Gaga, con la que tuvimos la suerte de organizar un “meet & greet” en OchoyMedio en sus inicios, ha estado en la lista de mejores canciones del año de JENESAISPOP tres de las cuatro veces que ha sacado disco de estudio, siendo ‘Bad Romance’ la que más alto llegaba. Algunos hemos sido amenazados de muerte por pincharla en el FIB, ¿verdad, Lolo Rodríguez? Como todos sabemos, cuando Gaga es buena, es muy buena y este es uno de los mejores ejemplos. Aunque ‘Telephone’ es su canción más moderna y mi favorita, este es claramente su gran himno: aquel que te quedabas tarareando toda la noche después de salir de su primer macrotour, su mejor melodía y la que mejor podría definir su relación con el mundo.

Mención especial: Santigold / Big Mouth

The xx / Islands

The xx demostraban muchas cosas con su debut: que merecía la pena hacerse a sí mismos con paciencia y dedicación, que menos es definitivamente más incluso en los tiempos en que eran -muy justamente- alabadas las producciones coloridas y con miles de capas de Animal Collective, y que sigue viva la importancia del videoclip, aunque ya no sea gracias a MTV sino a Youtube. Mi compañero Raúl Guillén afirmaba que la primera escucha de ‘The xx’ le había recordado lo que sintió la primera vez que escuchó ‘Dummy’. Y era cierto. Pero es que el vídeo de ‘Islands’ daba incluso una nueva vida a aquel inolvidable disco, representando una despedida a partir de la repetición de una misma escena, en la que se van incorporando dolorosas variaciones. Elegante y épico.

Mención especial: Jamie xx / I Know There’s Gonna Be (Good Times)

Prefab Sprout / Let There Be Music

Aunque haya sido ninguneado por muchos medios, Paddy McAloon ha publicado un par de álbumes en estos años. En 2013 se forzaba la edición de un disco perdido, ‘Crimson/Red’, tras su filtración con las pistas en orden alfabético. Antes, en 2009, llegaba al mercado un disco metamusical, sobre las bondades de este arte, que tenía que haber salido en 1993 pero que al final no. Casualmente, se movía como pez en el agua en medio del revival de aquella década, sonando en sintonía con los artistas que se fijaban en el house pretérito y en el pop sintético de finales de los 80, que han sido unos cuantos.

Mención especial: Linda Mirada / Secundario

Dirty Projectors / Stillness Is The Move

El R&B no sólo se renovaba a través de Frank Ocean, Drake o las producciones de Blood Orange. También había bandas de pop arty capaces de remover el género como los brillantes Dirty Projectors de David Longstreth, por los que pasaba antes de desertar Deradoorian. Incluida en el álbum con el que daban un pequeño salto en fama, ‘Bitte Orca’, la canción introducía elementos de indie rock y pop barroco encerrando tantas interesantes paradojas como su propio título. Gran estructura y desarrollo camino a ese feliz “After all that we’ve been through / I know that I will always love you / From now until forever baby / I can’t imagine anything better”.

Mención especial: Sky Ferreira / Everything Is Embarrassing

Animal Collective / Brother Sport

¿Se convertían Animal Collective definitivamente en una banda de pop con ‘My Girls’? ¿Cuándo había estado más clara su inspiración descarada en Beach Boys? En todo caso, donde el grupo experimental más celebrado del siglo se entregaba decididamente a la pista de baile era en este ‘Brother Sport’ que pinchamos hasta la saciedad cuando salió gracias a su vocación casi techno casi trance. Lo que pasa a partir del minuto 3 de este corte lo perrearía hasta Ylenia.

Mención especial: Yeasayer / Ambling Alp

Klaus & Kinski / El rey del mambo y la reina de Saba

Podríamos llenar un 25% de este top con canciones de Klaus & Kinski, hablando de su primer hit, el country ‘Flashback al revés’ y del éxito espontáneo de su segunda parte ‘Mamá, no quiero ir al colegio’. Podríamos hablar de la ranchera ‘Mengèle y el amor’, del disco absurdo de ‘Forma, sentido y realidad’ o de cómo la boda del vídeo de ‘Ojo por diente’ no pudo ser más gafe. Sin embargo, pasan los años y me sigo quedando con la belleza de su pasodoble ‘El rey del mambo y la reina de Saba’, que seducía al mismísimo Gotye a pesar de que seguramente jamás entendió su gran letra, entre la pérdida de la inocencia y el costumbrismo (“en los recodos del camino se aprende cómo se curte una piel”) y la desesperanza y el misterio (“bailan de cerca la sangre y la sed / de lejos baila la fe / y en medio bailan tú y yo”).

Mención especial: Lorena Álvarez y su Banda Municipal / La boda

Triángulo de amor bizarro / De la monarquía a la criptocracia

Triángulo de amor bizarro han sido el único grupo nacional capaz de llegar al número 1 de nuestra lista de mejores discos del año. Lo lograban con ‘Año santo’, cuyo primer single ha terminado convertido en su gran himno, pese a la dura competencia de ‘El himno de la bala’, ‘El fantasma de la transición’, ‘Mal como efecto de la mala voluntad’, ‘Amigos del género humano’, ‘Estrellas místicas’ o más recientemente ‘Baila sumeria’. La vocación pop de ‘De la monarquía a la criptocracia’, muy palpable en su estribillo “que simplemente te has ido” o en los “arréglames” mezclados con “arréames” que aparecen en plan clímax final, era de nuevo la clave de su éxito en medio de todo el ruido.

Mención especial: My Bloody Valentine / Only Tomorrow

The National / Bloodbuzz Ohio

Cuando analizamos el camino de The National hacia los estadios, hacia los grandes escenarios de los festivales más multitudinarios, no faltó mención a la que igual sea su obra maestra aunque casi nadie se diera cuenta (‘Boxer’). También ‘Bloodbuzz Ohio’ había puesto su granito de arena al resultar épica en su tratamiento de temas espinosos: el regreso a un hogar en el que ya no te sientes como en casa y la obsesión por estar en deuda permanente con los tuyos. La interpretación vocal de Matt Berninger, como medio constipado, el piano añadido en los últimos minutos y un poco de fotogenia en su videoclip hacían el resto.

Mención especial: Majical Cloudz / Childhood’s End

Robyn / Dancing on my Own

Robyn había dado en la diana con la edición internacional de ‘Robyn’, situándose en la primera plana del pop electrónico internacional. El single que presentaba la primera parte de la trilogía ‘Body Talk’ nos dejaba una primera impresión equivocada, como sucedía a Gaga con ‘Bad Romance’ con respecto a ‘Poker Face’. ‘Dancing on my Own’ parecía abusar de un par de trucos ya vistos en ‘With Every Heartbeat’, su hit junto a KleerUp, pero a la postre se alzaba con el título de su gran clásico, aupado por una letra demoledora sobre la soledad y los celos en medio de la pista de baile y por un vídeo en el que Robyn practicaba patéticamente el autobeso. ¿Quién no lo ha hecho?

Mención especial: Loreen / Euphoria

Delorean / Stay Close

Delorean hicieron de ‘Ayrton Senna’ la que al menos durante una buena época fue la pieza más codiciada en Discogs del catálogo de Mushroom Pillow: su vinilo desaparecía enseguida del mercado y gente del otro lado del planeta te escribía para ofrecerte pasta por él. Sin embargo, unos meses después era en ‘Subiza’ donde terminaban de pulir su mezcla de chillwave, house mediterráneo, acid y por supuesto pop. Un cóctel tan perfecto que les está costando demasiado repetirlo…

Mención especial: CEO / Come With Me

LCD Soundsystem / All I Want

A pesar de ‘Losing My Edge’ o de ‘Yeah’, a veces hemos tenido la impresión de que LCD Soundsystem no son muy buenos escogiendo sus propios singles. ‘North American Scums’ o ‘Drunk Girls’ eran buenas canciones, ¿pero eran las mejores? La progresión de ‘All My Friends’ y la melancolía de ‘Someone Great’ eran las grandes supervivientes de su segundo disco y ambas aparecían como aunadas en esta canción de su último largo de momento, que contenía algo más que un guiño al ‘Heroes’ de David Bowie.

Mención especial: TV on the Radio / Dancing Choose

El Guincho / Bombay

El Guincho conquistaba a los medios nacionales con el melódico y veraniego ‘Alegranza’, pero daba el salto internacional con ‘Bombay’, el tema central de ‘Pop negro’. Por un lado, se presentaba con un vídeo de Canada que también lanzaba a la productora en el extranjero; y, por otro, renovaba su sonido. Seguía mirando hacia atardeceres playeros, pero ahora añadía colores, sintetizadores y nuevas ideas. ¿Qué se pegaba más, el riff de teclado o los coros?

Mención especial: Los Punsetes / Tus amigos

Crystal Castles ft Robert Smith / Not In Love

Desde que despuntaran con HEALTH en la estupenda ‘Crimewave’, Crystal Castles arrastraron durante tres discos -hasta la salida de mala manera de Alice- su sonido esquizofrénico y synthpopero. A falta de ver lo que ocurre con el camino del dúo por separado, sus tres álbumes homónimos (sic) fueron generosos en grandes canciones, alcanzando probablemente su cumbre en cuanto a eficiencia y variedad el día en que llamaron a Robert Smith para una versión de Platinum Blonde. Por ‘Not In Love’ había ecos trance, dream pop e incluso italo disco, haciendo que constituyera una de sus producciones más profundas.

Mención especial: Fuck Buttons / Surf Solar

Adele / Rolling in the Deep

Reivindicada por gente tan dispar como John Legend, Linkin Park y Patti Smith, ‘Rolling in the Deep’ se alzaba con el título de mejor canción de 2011 para nuestra redacción. Nunca nos hemos arrepentido. En un mundo en el que abundaban los artistas de plástico y los discos de moda duran dos semanas, era una alegría que arrasara esta “torch song” completamente atemporal en la que se alternaban a la perfección la bonita y rara vez excesiva voz de Adele con un ritmo trotón que hasta se podía bailar. El tema, junto a los incontestables ‘Someone Like You’ y ‘Set Fire to the Rain’, era capaz de hundir la carrera de Duffy e incluso dejaba tocada a Amy: el propio Mark Ronson confesaba que el éxito de Adele había afectado para mal a Winehouse.

Mención especial: Tobias Jesso Jr / Without You

The Rapture / How Deep Is Your Love

Realmente el meneíto que Delorean le metieron al house de los 90 era más imaginativo que el de The Rapture, pero como siempre decimos… qué importa la originalidad cuando tienes las canciones, y de estas el grupo neoyorquino estuvo siempre más sobrado de lo que parecía. Para todos aquellos que los malinterpretaron como “one hit wonders” en los tiempos de ‘Echoes’, aquí iba un buen puñetazo en la puta cara que dejaba en bragas hasta al mismísimo hit homónimo de los Bee Gees. Una pena el “radio edit” del vídeo, ni lo escuchéis… ¿Quién se acuerda de ‘House of Jealous Lovers’, “one hand ties the other” después de esto?

Mención especial: Le Sport / Your Brother Is My Only Hope

PJ Harvey / In the Dark Places

Dos décadas después de debutar y ganarse a la crítica con ‘Rid of Me’ y ‘To Bring You My Love’, una década después de su disco más accesible, Polly Jean volvía a dejarnos alucinados con ‘Let England Shake’, un álbum que hablaba de las guerras en este país a lo largo de los siglos. En él tenía tiempo de experimentar e incluso introducir toques ácidos (‘The Glorious Land’) y además de recuperar un par de trucos de la eficiencia pop de ‘Stories from the City, Stories from the Sea’. Debido a su parte final, este ‘In the Dark Places’ bien podría haber aparecido en aquel largo.

Mención especial: St Vincent / Digital Witness

Fernando Alfaro / Extintor de infiernos

Fernando Alfaro volvió a la vida emprendiendo una carrera en solitario (ya con su nombre y apellido, sin Alienistas) y lo hacía con un disco que sonaba totalmente “en carne viva”. El desgarrado ‘La vida es extraña y rara’, tan duro que por momentos te impedía respirar o pestañear, arrancaba desde un ataúd, dentro de un vehículo que no va precisamente al aeropuerto. “Mirad cómo me agarro a mi cuerpo / nunca sentí la vida como ahora que la pierdo / como ahora que la pierdo” era una de las partes más sentidas de esta composición muy discreta pero sabiamente arreglada por Refree, que por suerte incluía un par de finales falsos.

Mención especial: Sharon Van Etten / Your Love Is Killing Me

Doble Pletina / Música para cerrar las discotecas

A pesar de que Doble Pletina no quisieron incluirla en su debut oficial para Jabalina, porque no querían reeditar la misma maqueta una y otra vez (esta versión del tema editada por Discos Garibaldi no era la original de su Demo), ‘Música para cerrar las discotecas’ sigue siendo el gran himno de la banda catalana, con permiso del evocador ‘Cruzo los dedos’, más bien un grower que, ojo, ha terminado acumulando más escuchas en Spotify. Pero este es el pelotazo desde la primera escucha: “No está todo inventado, como se suele decir”, desafía con razón una de las líneas de esta canción metamusical totalmente eufórica, sobre ese momento en el que después de pasar la noche bailando… ¡oh, mierda!… toca irse a casa.

Mención especial: Kokoshca / La fuerza

Rihanna ft Calvin Harris / We Found Love

Difícil elegir entre todos los hits que Rihanna nos ha dejado en los últimos 10 años. ¿’Umbrella’? ¿’Don’t Stop the Music’? ¿’What’s My Name’? ¿’Only Girl’? La de Barbados es probablemente la intérprete de mayor número de números 1 de la última década… y Calvin Harris, único autor de letra, música y producción de ‘We Found Love’, quizá el único que ha podido hacerle sombra con su veintena de hits. Ambos casaban a la perfección en este tema que repetía “we found love” decenas de veces, pese a que su estribillo de verdad era instrumental. Tan instrumental que el día de su lanzamiento Calvin Harris recibió amenazas de muerte a través de Twitter de los fans de RiRi. El resto fue historia. Gran vídeo muy británico, tipo ‘Skins’.

Mención especial: Katy B / 5 am

Florence + The Machine / Shake It Out

¿Recordáis los días que celebrábamos la llegada de Florence con ‘Kissed With A Fist’? Ella probablemente no porque esos días de perro “se acabaron” y su carrera fue a más, sonando pop cuando le apetece (‘Ship to Wreck’), rock cuando quiere (‘What Kind of Man’) y hasta EDM cuando le da la gana (‘Sweet Nothing’ con Calvin Harris). Una de las cumbres de su repertorio nutrido de hits es este single de su segundo álbum ‘Ceremonials’, que contiene ese puntito tribal, ideal para corear en grupo.

Mención especial: Lissie / Further Away (Romance Police)

M83 / Midnight City

¿Alguien se ha fijado en el número de escuchas que tiene este temita en Spotify? ¿Y de que hace 5 añazos que Anthony Gonzalez no edita (casi) nada? Parece que este 2016 el músico francés pondrá solución a esto con un nuevo largo que dará al fin continuación a su gran hallazgo: el mejor dream pop sometido a la pista de baile synth-popera, con un gancho instrumental del que mucho EDMero debería haber aprendido algo. Pero nada… todo para ti, Anthony.

Mención especial: Chromatics / Kill for Love

The Sound of Arrows / Wonders

Además de realizar una clarísima reivindicación de los años 80 más bailables, algunos han querido homenajear las “power ballads” de aquella época. Destacó el caso de Hurts con su canción que mejor ha envejecido, ‘Stay’, de su formidable debut; y The Sound of Arrows, que solían interpretar en vivo ‘The Power of Love’ sin ningún tipo de rubor. Su densa ambientación se traspasaba también a canciones propias como esta intensísima ‘Wonders’, que cuenta con un cierre perfecto en el que se les juntan todo: los “I’ll never forget”, los “when you were mine” y los sintetizadores in crescendo.

Mención especial: Hurts / Stay

Russian Red / I Hate You But I Love You

Puede que Russian Red sea siempre recordada por los singles de su primer disco, ‘They Don’t Believe’ y muy especialmente ‘Cigarettes’, pero lo realmente loable ha sido su evolución, su saber adónde ir en cuanto ha tenido presupuesto para la superproducción. Para su segundo disco voló a Glasgow para trabajar con Stevie de Belle & Sebastian y su mayor acierto sería esta maravillosa melodía como recién salida de los 50, pero arreglada en el Brill Building durante los 70, cuyos coros celestiales, pequeña subida y “dah-dah-dahs” finales son -como dice la canción sobre un amor idílico- tan hermosos “que no se pueden soportar”.

Mención especial: Rumer / Goodbye Girl

Azealia Banks / 212

Como en el caso de Kanye West, al final se te olvida la tontería de su protagonista: ‘212’, que presentaba el primer EP de Azealia Banks -“Araceli” para los amigos- y terminaba incluida en su debut ‘Broke With Expensive Taste’ un par de milenios después, es una de las mejores canciones del siglo que nos ocupa. Un himno “hip-house” muy bien estructurado cuyo estribillo instrumental no se le escapaba ni a los que no entendieran sus fraseos. Grande la versión de La Terremoto de Alcorcón, ‘212 flores’.

Mención especial: Rudimental / Waiting All Night ft Ella Eyre

Lykke Li / I Follow Rivers (The Magician Remix)

Dios -o quien sea- me libre de menospreciar la carrera de Lykke Li o su valía como compositora, tras haber publicado esta década canciones tan hermosas como ‘Little Bit’ o ‘No Rest for the Wicked’. ¿Y todo para que seleccionemos un remix? Nunca despreciamos la larga carrera de Everything But The Girl por bailar la remezcla de ‘Missing’ de Todd Terry, y algo muy parecido sucedía con este remix de ‘I Follow Rivers’. Sin alterar la estructura original de la canción ni su letra, respetando su espíritu y su desesperación, The Magician lograba una de las pistas más claramente hechas para llorar -o simplemente sentir cosas- en la discoteca.

Mención especial: Jessie Ware / Running

Lana del Rey / Born to Die

Si hay una cantante que nos congratula haberos presentado antes que prácticamente todo el mundo, esa fue Lana del Rey. En mayo de 2010 mi compañero Raúl Guillén os hablaba de los tres MySpace que sobre ella había encontrado en el correspondiente “Revelación o timo“, enlazando de la manera más inocente un ‘Yayo’ que en aquel momento desconocíamos que iba a ser borrado de la faz de la tierra hasta la saciedad. Habría que esperar un año más para que aparecieran online ‘Video Games’ (su lanzamiento oficial es de octubre de 2011) y, a finales de aquel año, su gran emblema, la canción que mejor resumiría su atracción hacia la muerte y la tragedia, y la que mejor soportaría esas orquestas que tanto pegan con su gusto por Hollywood y los años 50 y 60.

Mención especial: The Black Keys / Lonely Boy

Frank Ocean / Thinkin About You

Antes de que The Weeknd se dedicara a hacer karaoke de Michael Jackson hubo una renovación interesantísima y muy necesaria del R&B que el mismo Abel Tesfaye encabezó acompañado de su productor Illangelo. Por allí también estaba Frank Ocean, que tras una mixtape entregaba un sobresaliente ‘channel: ORANGE’ que incluía piezas tan jugosas como ‘Pyramids’, tan bailables y emocionales como ‘Lost’ o tan atemporales como este baladón con el punto justo de bases cortantes, ambientación brumosa, falsete, cuerda sintetizada y guitarra.

Mención especial: Drake / Hotline Bling

Beach House / Wishes

Desconocemos qué cantidad salvaje de veces hemos podido citar a Angelo Badalamenti como influencia en el dream pop de hoy. David Lynch buscaba con el compositor una réplica del sonido Cocteau Twins por la imposibilidad de contar con ellos, y los músicos de nuestros tiempos que mejor han entendido a todos los artistas mencionados han sido Beach House. Durante una entrevista con ellos hablaban mal de ‘Rolling in the Deep’ por su estructura clásica, pero aquí tenemos amor para todos: para Adele y para las fantásticas “canciones río” con curvas -muchas curvas- de Alex y Victoria. Entre ‘Myth’, ‘Norway’, ‘Walk in the Park’, largo etcétera, es difícil olvidar lo que hicieron con “Leland Palmer” de ‘Twin Peaks’ en el videoclip de ‘Wishes’. Desde luego cerraron un círculo… Por cierto, ¿alguien recuerda quién hacía los coros en ‘Two Weeks’ no ya antes de ‘Bloom’ sino antes de ‘Teen Dream’?

Mención especial: Grizzly Bear / Two Weeks

Passion Pit / Take a Walk

Si hay un grupo de pop que ha sido capaz de triunfar con su propio sonido en esta década, aparte de Hot Chip, ese ha sido Passion Pit. La banda de Michael Angelakos, la única que ha coronado nuestra lista de mejores canciones del año dos veces, lograba crear oro e ilusión a partir de la mierda (Angelakos ha sufrido depresión, desorden bipolar, ha intentado suicidarse dos veces y finalmente se divorciaba de su mujer y salía del armario el año pasado) en esta auténtica maravilla de tema que presentaba su mejor disco, ‘Gossamer’. Un disco de oro en Estados Unidos para esta canción y el Madison Square Garden de Nueva York les esperaban.

Mención especial: Black Kids / I’m Not Gonna Teach Your Boyfriend How To Dance

Lorde / Royals

Una neozelandesa de 17 años se meaba en mil y una lolitas con su debut, seduciendo a huesos tan duros de roer como David Bowie o Rockdelux. Y lo hacía con una canción llena de segundas intenciones en la que, además de una producción minimalista y unos ritmos post-africanistas casi bailables, se reivindicaba la sencillez, la fealdad y la naturalidad del acné en oposición a los moldes que nos manipulan en la vulnerable adolescencia. Todo un himno generacional de lo más improbable en una de las cumbres clarísimas del pop en estos 10 años.

Mención especial: Tove Lo / Habits

David Bowie / Where Are We Now?

La canción con la que despertábamos el martes 8 de enero de 2013, sin saber siquiera que David Bowie estaba grabando su primer álbum en 10 años, acababa de un plumazo con la leyenda urbana de que el artista británico nunca había sido capaz de escribir una canción capaz de hacerte llorar. Con una producción contenida y detallista que nos hacía preguntarnos cómo habría sonado ‘Thursday’s Child’ en manos de Tony Visconti, ‘Where Are We Now?’ era una melancólica mirada atrás, en concreto a los años de Bowie en Berlín, que perdura en el tiempo -como busca su letra- gracias a sus fantásticos dos minutos finales.

Mención especial: Rufus Wainwright / Going to a Town

Mala Rodríguez / Quien manda

Puede que Mala Rodríguez no haya igualado el impacto comercial de su debut o el crítico de ‘La niña’, pero entre el arsenal de temazos que la cantante ha publicado esta década podríamos enumerar unos cuantos, como ‘Te convierto’, ‘Nanai’, ‘Tiempo pa pensá’, ‘Por eso mato’, ’33’ o más recientemente ‘Mátale’ con Steve Lean. El que más parece haber calado según las redes de streaming, y con razón si atendemos a su buen equilibrio entre la suavidad jamaicana y su agresividad habitual, es ‘Quien manda’, disponible en dos versiones, con y sin rap de Shotta. Nótese que “quien manda” no lleva tilde.

Mención especial: PXXR GVNG / Tu coño es mi droga

Kanye West / Black Skinhead

Cuando parecía que Kanye West había publicado el disco de su vida, ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’, que contenía ‘Runaway’, ‘POWER’ o la maravillosa ‘All of the Lights’, el odioso rapero iba más allá en el camino de la modernidad sacándose de la manga un ‘Yeezus’ que nos dejaba en primera instancia con el culo torcío. Un álbum que suena a 2025 en pistas como ‘New Slaves’ o en esta loca -como él- ‘Black Skinhead’, que además de anticipar su canción más ansiada “yo soy Dios”, confirmaba a West como más punk y revolucionario -musicalmente- que el mismísimo punk.

Mención especial: Kendrick Lamar / King Kunta

Vampire Weekend / Diane Young

Sí, te hartaste de bailar ‘A-Punk’, una canción emblema de la moda afro-indie que todavía suena por doquier. Pero cuando la banda estadounidense demostró que molaba de verdad era en el tercer álbum, presentado por esta ‘Diane Young’ inspirada en una marca de productos de belleza, en la que se desataba la locura poco a poco. Una gran producción llena de detalles, ritmos e ideas originales que se redondeaba con un vídeo inspirado en la Última Cena. Claramente podemos considerar ‘Cousins’, de su segundo disco, como el punto a medio camino entre debut y esta cima creativa.

Mención especial: Haim / If I Could Change Your Mind

Joe Crepúsculo / Mi fábrica de baile

Joe Crepúsculo no ha entregado disco sin hit en estos ocho años de carrera. Sin embargo, probablemente su cumbre en cuanto a pelotazos la alcanzara en los tiempos de ‘Baile de magos’, donde se incluían los llenapistas ‘Leyenda’ con Russian Red cantando en castellano y ‘Mi fábrica de baile’. El temita no prescindía de su inspiración poligonera, su estilo casi recitado y su imaginativa lírica, planteando el femenino como el nuevo neutro: “el médico me dijo que quitara el café de mi vida / sólo tomo tres tazas al día y él está muerto y yo viva”. ¿Y será “mi fábrica de baile no cabe en tu corazón pequeño” o “mi fábrica de baile no cabe en tu corazón, pequeño”?

Mención especial: Las Bistecs / HDA

Katy Perry / Dark Horse

Tuvimos dudas sobre Katy Perry y su falso lesbianismo -muy pensado para poner a los tíos y ya- en ‘I Kissed A Girl’, sobre la gracia justísima de ‘UR So Gay’ y sobre la producción de bases “todo a 1 euro” de los singles de ‘Teenage Dream’. Pero Katy se fue superando pasito a pasito y en su último álbum, ese ‘Prism’ al que ya está tardando en dar continuidad, incluía perlas como ‘Roar’ -en principio seleccionada para nuestra lista de mejores canciones 2013- o esta ‘Dark Horse’ que despuntaba ya en 2014 al apropiarse de la moda trap para dar a la cantante de pop la sofisticada producción que llevaba tiempo demandando. Mención especial para su “cara B”, la trepidante ‘Black Widow’ de Iggy Azalea, también co-escrita por Perry.

Mención especial: Taylor Swift / We Are Never Ever Getting Back Together

Justin Timberlake / Suit & Tie ft Jay Z

La gran sorpresa de la última década nos la daba Justin Timberlake. Ya su debut al margen de *NSYNC, ‘Justified’, estaba OK, pero es que ‘Future Sex/Love Sounds’, pese a nuestra reticencia inicial por sus números de R&B más blandito, era todo un “grower” que definía el pop de su tiempo. Tras varios años de silencio, el artista volvía con un disco dividido en dos en el que, frente a las repetidas copias de la misma canción, todas muy bien hechas, eso sí (‘Mirrors’ y ‘My Love’ tienen un algo a su gran clásico ‘Cry Me A River’), destacaba este ‘Suit & Tie’ en un registro muy distinto y bastante jazzie. Un festival de falsetes, corbatas y trajes que realzaba su condición de guaperas. Tonto no es.

Mención especial: Jay Z ft Alicia Keys / Empire State of Mind

Arcade Fire / Reflektor

Está claro que Arcade Fire nunca se han quedado apocados. No lo hicieron tras el éxito del -en mi opinión- sobrevalorado y excesivisísimo ‘Funeral’ y no lo hicieron después de llevarse el Grammy por su mejor álbum, ‘The Suburbs’. En ‘Reflektor’ se reinventaban alardeando de música disco, versos en francés y réplicas cabezudas de sí mismos en el videoclip, en sintonía con una letra que se mueve entre la realidad y la ilusión. ¿La guinda? La voz de David Bowie apareciendo hacia el final. Todo un WTF: ya casi nos habíamos olvidado de que el artista había cantado con Placebo. Ardo en deseos de averiguar cómo demonios dan continuación a esta obra maestra que renovaba su sonido por completo tan tarde como en el cuarto álbum.

Mención especial: Foals / My Number

James Blake / Retrograde

¿Podía superar James Blake la magia de su debut, donde encontrábamos temas como ‘The Wilhelm Scream’ o su versión de Feist? Lo conseguía con creces con un ‘Overgrown’ –disco del año 2013– mucho más completo que le consolidaba como artista más emblemático del nuevo soul electrónico del siglo XXI, influyendo a toda una retahíla de imitadores. La piedra angular era este precioso ‘Retrograde’ de estructura circular para escuchar en bucle en el que su minimalismo habitual se encontraba en el centro de la canción con todo un nubarrón de sintetizadores mientras su voz repite triste “we’re alone now”.

Mención especial: FKA twigs / Two Weeks

AlunaGeorge / You Know You Like It

Aunque no hayan corrido tanta suerte como sus amigos Disclosure, la cantidad de buenas canciones de ‘Body Music’ no se puede obviar de ninguna manera. ‘Attracting Flies’ y ‘Your Drums, Your Love’ eran dos de ellas pero su mayor acierto ha terminado resultando ‘You Know You Like It’: primero su R&B de voces adulteradas resplandecía en su mítico vídeo rodado en una piscina vacía y después DJ Snake terminaba de convertirlo en hit mundial gracias a una remezcla.

Mención especial: Disclosure ft AlunaGeorge / White Noise

Javiera Mena / Espada

Lo que más miedo da de nuestra sección de comentarios es que a lo largo de los años, varios responsables de prensa o algunas marcas y sellos nos hayan dicho que utilizan las opiniones vertidas en nuestra web para tantear qué opina la gente. Es un honor, claro, y además, hemos conocido artistas del tamaño de Amy Winehouse gracias a mensajes dejados en la web, pero terror genera un rato. Repasemos comentarios en el Veredicto de ‘Espada’ en diciembre de 2013. El usuario Salva escribía: “La peor canción de melodías en la carrera de Javiera. ¿80s dónde? Hausete mediocre. La base es pobre, pobre y la voz suena a chatarra: seguro que todo lo ha grabado en una cola de embarque. En el disco habrá mejores seguro”. Eljavato seguía la misma línea: “Ahora esta es la mejor canción de Javiera Mena y todos a los que nos parece un mojón que estábamos deseando un temazo de esta señora somos unos haters. De verdad que tenéis más tontería en la redacción que otra cosa. Ni es temazo, ni es portadón, ni tiene una letra cojonuda. Es mucho menos de lo que nos esperábamos muchos”. Josita añadía: “eljavato +1000”. ConTodoMiAmor se sumaba: “Eljavato y Salva +1000. Javiera, cariño, si me lees, ¿ves el horizonte? Bien, pues tira para allá, que al final llegarás a Santiago, donde tu talento te está esperando, que dice que lo tienes abandonado. Y mira que es gordo y hermoso tu talento, tía”. ¿Pueden cuatro personas estar más equivocadas? Muy difícilmente. ‘Espada’ era el mejor hit jamás escrito por la artista chilena, desde el principio a la altura de ‘Sufrir ft Jens Lekman’ y ‘Luz de piedra de luna’ y definitivamente un cañón de canción gracias al vídeo ultra bóller de Luis Cerveró que acumula casi 2 millones de visionados en Youtube.

Mención especial: Dënver / Lo que quieras

Beyoncé / XO

Lejos, muy lejos, de sus soporíferos e interminables primeros discos, lo que incluye un tercer álbum cuyo nombre todavía da vergüenza pronunciar en voz alta, está la Beyoncé que conocemos hoy. La artista se transformaba por completo. Primero en ‘4’, donde se postulaba como excelente discípula de Prince, se apropiaba de una base de Major Lazer y al mismo tiempo brillaba al fin como cantante soul. Y segundo con su ya mítico disco sorpresa, una excelente superproducción en la que rescató a un muchacho llamado Boots del underground -exprimiéndole para siempre-. ‘Beyoncé’ contenía el hit ‘Drunk In Love’ y este sencillo que no tuvo tanto éxito pero lo merecía, el aparentemente agridulce pero en realidad muy hedonista ‘XO’, que debe la adicción que genera quizá a que su “estribillo” sale una sola vez.

Mención especial: Janelle Monáe / Cold War

Daft Punk / Get Lucky

Como todo el mundo adivinó, la mejor canción de 2013 para nuestra redacción fue la celebración disco de Daft Punk. ‘Get Lucky’ era una composición maravillosamente cuadriculada, simplificada hacia lo mínimo aposta, que además de allanar el camino a Pharrell para su gran hit en solitario ‘Happy’, recuperaba la guitarra de Nile Rodgers de Chic dándole el momento de gloria que merecía tras superar un cáncer y la humillación de ser rechazado una y otra vez por el Rock’n’Roll Hall of Fame. El dúo francés asentado en Los Ángeles superaba incluso el éxito pasado de ‘One More Time’ o ‘Around the World’ gracias a este tema que sólo era un aperitivo de lo que encontraríamos en ‘Random Access Memories’, un álbum “cheesy” e inconexo por momentos pero evidentemente mastodóntico con el paso de los meses, que cuenta con una de las mejores masterizaciones que han oído estos oídos esta década. Disco doesn’t suck!

Mención especial: Music Go Music / Warm in the Shadows

Metronomy / Love Letters

Muestra de que la banda del británico asentado en París Joseph Mount tenía algo especial, el hecho de que el mítico realizador Michel Gondry accediera a rodarles un vídeo por primera vez en mucho tiempo. Entrelazando elementos electrónicos y orgánicos tan bien como pocas bandas saben, Metronomy contaban ya antes de ‘Love Letters’ con dianas como ‘The Look’, ‘The Bay’ o ‘Everything Goes My Way’. Sin embargo, era esta particular rendición a la Motown la que nos dejaba boquiabiertos, más recomendable aún en su versión del álbum, con esos vientos sonando a medio gas en la intro. Exquisita.

Mención especial: Foxygen / Shuggie

Sia / Elastic Heart

Sia fue canción del año 2014 en JENESAISPOP con ‘Chandelier’, una producción que dividía a la redacción por la extraña imagen de su título y su manera tan descarada de abanderar la antimoda de la LOUDNESS WAR. La canción que no dividía nada, con o sin The Weeknd, era ‘Elastic Heart’, definitivamente reforzada por su vídeo con Shia LaBeouf y la niña Maddie Ziegler. Las múltiples interpretaciones de su videoclip, tan expresivo, terminaban de alzar la canción hacia los millones y millones de reproducciones en la red, más que merecidamente.

Mención especial: The Weeknd / High For This

Future Islands / Seasons (Waiting On You)

A pesar de su imagen de grupo de rock, y del timbre a lo Elton John de su vocalista Sam Herring, Future Islands terminaban de triunfar con sonido sintético en este ‘Seasons’ que empezaba recordando a Underworld y terminaba situándose más cerca de lo que antes en la radio llamaban Maniobras Orquestales en la Oscuridad. No en vano, el grupo se reconocía fan de Mecano en cuanto los descubrían (!). Nadie puede olvidar tampoco su presentación televisiva en un late night, en lo que parecía una tierna autorreivindicación del patetismo amoroso.

Mención especial: The Wave Pictures / I Love You Like a Madman

Caribou / Can’t Do Without You

De nuevo: nada mejor que un artista superando la que parecía la cumbre de su carrera. Después de varios años en la electrónica, Caribou despuntaba definitivamente en 2007 con su disco ‘Andorra’, ‘Swim’ y sobre todo ‘Odessa’ le ponían en lo más alto del mapa musical en 2010, y en 2014 nos levantaba de una vez y para siempre de la silla con ‘Can’t Do Without You’. El tema de presentación de un álbum tan emocional, tan sentido y a la vez tan cerebral como ‘Our Love’ era un sutil rompepistas que se hacía corto merced a su controladísimo subidón, dejando en evidencia todos los truquitos EDM de Calvin Harris, Guetta y compañía.

Mención especial: Monarchy / Living Without You

La Bien Querida / Poderes extraños

Puede que ‘De momento abril’ siga siendo su canción estrella en las plataformas de streaming, pero lo de La Bien Querida ha sido más bien una carrera de fondo, y la manera en la que se ha ido superando tirando de electrónica (‘9.6’), folclore (‘Monte de piedad’), kraut (‘Arenas movedizas’) y synth-pop (‘A veces ni eso’), nos terminaba llevando a su mejor disco, el más completo, el último. Allí, entre temazos tamaño Raphael (‘Muero de amor’) y tamaño Franco Battiato (‘Música contemporánea’), destacaba ‘Poderes extraños’, una composición que después de 10 años compite por ser su gran himno. ¿No tiene mucho más mérito? “No quiero esperar toda la vida para poder ser feliz”, plantea alegremente en una de las estrofas, cuando el estribillo es deliciosa y paradójicamente dependiente. Además de mágico… como su final instrumental como salido de ‘La bola de cristal’.

Mención especial: Antònia Font / Wa Yeah!

Marina and the Diamonds / Froot

Marina and the Diamonds pudo tener su mínimo momento de gloria con ‘Primadonna’, pero todos sabíamos que, acertara más o menos, la cantante servía para mucho más que para hacer de Katy Perry. Su canción más completa en todos los sentidos es ‘Froot’. Una composición llena de esquinas, recovecos, puentes, ganchos y poliestribillos como el de “I’ve been saving all my summers for you”, tan bien desarrollada que debería haberla lanzado hacia algún lado (¿ídolo de masas? ¿icono underground?)… pero nada. Perfecta para nosotros, pues.

Mención especial: Zahara / El deshielo

Purity Ring / bodyache

A falta de que Depeche Mode construyan un himno capaces de ganarnos como en décadas anteriores (‘Wrong’ se quedaba cerca, pero…), algunos de sus discípulos les han superado adaptando su clásico sonido siniestro a los nuevos tiempos. A la cabeza de ellos estaba el fantástico dúo Purity Ring, que debutaba en 2012 con ‘Shrines’ metiéndose por el arco de triunfo aquella tontería del witch-house, como siempre se hace, con grandes canciones. En 2015 publicaban un álbum más asequible que les terminaba de consolidar: un ‘another eternity’ que incluía singles como ‘begin again’ o este ‘bodyache’, con el punto justito de oscuridad y su contrario.

Mención especial: Charli XCX / You Ha Ha Ha

Christine and the Queens / Saint Claude

Entre las producciones más hermosas escuchadas recientemente, la del debut de esta joven francesa editado en 2014 en su país y en 2015 de manera internacional. La artista creaba un personaje que no define su sexualidad ni su género y el tema central de ese ‘Chaleur humaine’ (o más bien la ausencia del mismo) era este ‘Saint Claude’ cuyo vídeo trataría de copiar sin demasiado éxito Madonna. La canción hablaba de una persona que presencia una escena de bullying en un autobús pero es incapaz de ayudar, bajándose en su lugar en la estación de Saint Claude fingiendo que es la suya, arrastrando una insoportable culpa. “We are so lonely”, introduce en inglés a su final expandiendo su universalidad.

Mención especial: Perfume Genius / Queen

Nicki Minaj / Anaconda

Una de las veces que más me he reído leyendo textos de mis compañeros (no sé si su autor quiere permanecer en el anonimato, no firmó el artículo) fue el día del intento de traducción de la letra de ‘Anaconda’. Polla, culo, pedo, pis aparte, el temita contenía partes tan atrevidas como -más o menos- “voy a comerte el culo como si fuera una lechuga romana”. Nicki, la mejor rapera de la actualidad, era incapaz de entregar un álbum realmente notable, perdiéndose en estilos y secuencias interminables, pero en cuanto a pistas sueltas, no había quien le tosiera. La más icónica fue esta -y no sólo gracias a su vídeo-, pero también ‘Super Bass’ fue, por ejemplo, muy reivindicada en nuestros foros.

Mención especial: SOPHIE / Lemonade

Björk / stonemilker

Ni siquiera durante su peor época, ‘Volta’, Björk nos dejó del todo. En aquel disco estaba la perreable ‘Earth Intruders’ y en ‘Biophilia’ jugaba con el dubstep al final de ‘Crystalline’. Pero era el año pasado cuando editaba el álbum que muchos esperaban, una obra a la altura de sus grandes largos, sobre todo en su primera mitad, cuyos pilares eran los 10 minutazos de ‘Black Lake’ y el que podríamos considerar el primer single, ‘stonemilker’. Como parte de un ‘Vulnicura’ que narraba una ruptura, sonaba descarnado como pocas canciones en estos años.

Mención especial: Damien Rice / My Favourite Faded Fantasy

Tame Impala / Let It Happen

Tame Impala ya tenían hits en su carrera del tamaño de ‘Elephant’ o ‘Feels Like We Only Go Backwards’, este último un poco lastrado por las comparaciones con un tema de los 80 del niño latinoamericano Pablito Ruiz. Por suerte el grupo australiano no se apocaba sino que se reía de la obvia similitud y además se crecía en su siguiente álbum, un ‘Currents’ que incluía temas tan divertidos como ‘Cause I’m A Man’, tan pegadizos como ‘The Less I Know The Better’ -de vídeo catalán– o tan brillantes como este ‘Let It Happen’, nuestra última canción del año, postulada como ‘Paranoid Android’ de la nueva generación. Muy recomendable en su versión del álbum en lugar de la recortada del vídeo o incluso en el directo que estrenamos vía Deezer.

Mención especial: Deerhunter / Helicopter

Sufjan Stevens / Should Have Known Better

JENESAISPOP nacía un año después de ‘Illinoise’. En esta década hemos visto a Sufjan Stevens experimentar con la electrónica, publicar EP’s sorpresa, nuevas canciones navideñas, embarcarse en rarezas y proyectos paralelos, dar el mejor concierto de la historia del Primavera Sound y finalmente volver a las raíces del folk en un disco dedicado a la muerte de su madre y a su padrastro. Aunque entonada en voz baja y desprovista de los pomposos arreglos de un ‘Chicago’, ‘Should Have Known Better’ es una de las canciones fundamentales de su carrera, emocionante por el modo en que Stevens se enfrenta a su infancia, recuerda cómo no pudo hacer frente a la desaparición de su madre o narra el presente rozando el género epistolar.

Mención especial: Beirut / Postcards from Italy

Grimes / Flesh Without Blood

Con Grimes hemos tenido una de las relaciones de “amor/odio” más “mitológicas” del site. No terminamos de ver en ‘Visions’ los fantásticos acabado y ejecución que muchos entendían, y la cantante continuaba dividiendo con una ‘Go’ pensada para Rihanna y coproducida por su amigo Blood Diamonds, a la postre improbable millonario gracias a sus colaboraciones con Madonna y sobre todo Justin Bieber. Pero con su álbum ‘Art Angels’ demostraba que era una productora y compositora hiperactiva, llena de ideas y capaz de condensar influencias tan dispares como el rock o el j-pop en menos de 5 minutos. Todo un ídolo de la era Tumblr, además. Una pena que no haya revistas que regalen posters suyos del tipo Superpop.

Mención especial: Justin Bieber / Sorry

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Bilbao BBK Live, que se celebrará los próximos 6, 7 y 8 de julio, ya había confirmado a su gran cabeza de cartel Depeche Mode, además presentando nuevo disco. Pero hoy hay nuevas jugosas confirmaciones. Como todos nos olíamos, estarán tocando Fleet Foxes, pero también hay dos grandes nombres más, Phoenix y Two Door Cinema Club, ademas de otros como Die Antwoord y Daphni, este último como parte de su programación electrónica. Tanto Fleet Foxes como Phoenix se han confirmado hoy también en Vida Festival.

En cuanto a Phoenix, la organización anuncia sin concretar “un próximo lanzamiento que tanto público como crítica esperan con ansia”. También se anuncia que “junto a ellos liderarán una de las tres jornadas del evento como cocabezas del cartel de esta nueva edición Two Door Cinema Club”, que acaban de publicar el controvertido ‘Gameshow’. Quedaría, por tanto, un cabeza de cartel por conocer.

Mientras Die Antwoord presentarán ‘Mount Ninji & Da Nice Time‘, se anuncia también el regreso de Basoa, el espacio reservado a la mejor música de baile, con “cinco nombres de primera línea inaugurando su cartel”. Son bastante suculentos: Andrew Weatherall, Daphni (Caribou con este otro alias), DJ Tennis y Alessandro Parlatore y Marcello Giordani (Marvin & Guy). Los abonos para Bilbao BBK Live están disponibles en Ticketea a 96 euros (más 10 euros si queréis usar el cámping).

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Vale, los valencianos Polock se parecen a Phoenix. Ya nos hemos enterado. Phoenix también tienen sus influencias, los Beatles, Beach Boys, Electric Light Orchestra, Daft Punk, Stereolab y, aunque no se notara tanto, My Bloody Valentine. Al margen de que a toda banda le inspiran cosas, hay que apuntar que 1) Polock se renuevan ligeramente en su tercer álbum, y 2) que mucho se ha hablado de su parecido con los franceses y muy poco de los “growers” que son capaces de fabricar Papu Sebastián, Pablo Silva y Marc Llinares. Con ellos siempre pasa lo mismo: parece que sus singles son algo anodinos y después se crecen y se crecen hasta alcanzar un millón y medio de escuchas. Sucedió con la aparentemente inofensiva ‘Everlasting’, hoy un himno; y sucederá probablemente con el single de presentación de este disco, ‘Oh I Love You’, una de las mejores canciones del momento.

‘Oh I Love You’, pura emoción de ritmos funky pero sonidos tropicales, comienza como un canto a la realidad juvenil de la escuela de Lorde (“Tired of pretty faces in the crowd / Where’s the real people all around the world?”) para luego decantarse por un tema de amor “a mi manera” en el que ruge, armonioso, un estupendo riff de guitarra. Más tropical aún es el final de la notable ‘Devil Echoes’, también con una perfecta combinación de rock y teclados, que esta vez sitúa a Polock más cerca de Metronomy, teoría que confirma la inicial ‘Roll the Dice’.

Pero las sorpresas en este álbum son ‘Out of the Blue’, en algún punto entre Delorean y Stereolab, esa ‘Morricone’ de guitarras entre el western y la road movie, y muy especialmente la balada ‘Magnetic Overload’, que da título al álbum. Si los 70 han inspirado siempre a Polock, aquí seguimos en la misma década, pero en un estilo muy diferente. En esta ocasión es John Lennon e incluso Elton John quien inspira la línea de piano en este tema triste pero sensual sobre el desamor con una joven de 21 años. La guitarra, como su temática, es electrizante.

Después, el disco no alcanza un nuevo cénit, eso sí. ‘Best Friend’ parece que va a convertirse en un hit de los últimos Coldplay, pero se queda a medias, y ‘Cactus or Bamboo’ habría funcionado mejor como canción de despedida: ‘Dark Amber’ ya solo destaca por la claridad con la que el grupo hace sonar muy diferenciadas guitarras o baterías. Ha mezclado Fernando Boix, ha masterizado en Los Ángeles Brian Lucey (Arctic Monkeys) y hay una masterización aparte para vinilo realizada por Enrique Soriano. El grupo cuida estas cosas y se nota.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Oh I Love You’, ‘Devil Echoes’, ‘Magnetic Overload’
Te gustará si te gusta: Metronomy, Delorean y que los discos de DFA contengan una balada
Escúchalo: Spotify

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Phoenix, a los que este verano podrás ver en directo en nuestro país, han ofrecido este fin de semana el primer concierto de su nueva gira en Amberes. Según cuenta la revista Spin y se recoge ya en Setlist.fm, han estrenado varias canciones en vivo, entre ellas ‘J-Boy’, ‘Role Model’ y una canción de título en italiano que es tan importante para ellos que la han escogido para abrir el concierto… y también para terminarlo a modo de reprise. Se llama ‘Ti amo’. Los temas suponemos que aparecerán entre los “últimos subidos” de Youtube en las próximas horas. De momento solo hay algún fragmentillo en Instagram.

El grupo francés, que no edita nada desde el complicado ‘Bankrupt!‘, ha publicado nueva música en estos días a través de un anuncio de Calvin Klein dirigido por Sofia Coppola, esposa del cantante de Phoenix. Bajo estas líneas podéis ver algún vídeo de ayer y dicho anuncio. ¿Por algún lado intuimos un regreso al pop y a los baños de masas?

Entre los compromisos de Phoenix este verano, actuar en Vida Festival y muy poco después en Bilbao BBK Live. También estarán en Lisboa o en el sur de Francia en GaroRock. Todas las fechas, en su web.

#phœnix #wearephoenix first show of the tour

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Un héros à Anvers!!! #phoenix #thomasmars @florisdhollander

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Phoenix, el grupo francés que más vende (o vendía) y que no es Daft Punk, ha anunciado nuevo disco, ‘Ti amo’, para el 9 de junio. ‘Ti amo’ es el sexto álbum de Pheonix y sucede a ‘Bankrupt!’, un disco controvertido, que gustó y disgustó a partes iguales, pero que nos dejó un single memorable como ‘Entertainment’ o temas tan seductores como ‘Trying to Be Cool’.

Como su propio título indica, Phoenix dedica ‘Ti amo’ a Italia. De hecho, explica que ‘Ti amo’ es un disco “sobre emociones puras y simples como el amor, el deseo, la lujuria o la inocencia, y también es un disco sobre nuestras raíces latinas y europeas, una versión idealizada de Italia, un paraíso perdido hecho de veranos romanos eternos (hiperluz, hiperclaridad, helado de pistacho), tocadiscos en la playa, Monica Vitti y Marcello Mastroianni, deseo desenfrenado y estatuas de mármol antiguas”. Queda claro por dónde van los tiros.

Poco de italiano -muy poco de Fitness Forever, que es lo que ha evocado a quien esto escribe la descripción de arriba-, en principio, tiene el primer avance de ‘Ti amo’, un ‘J-Boy’ que ya puede escucharse y tiene un fondo más bien funk y post-disco. Eso sí, en su relato de los vaivenes del amor menciona a Miguel Ángel (y a Picasso) y ojo porque pinta a “grower”.

‘Ti Amo’:

01 J-Boy
02 Ti Amo
03 Tuttifrutti
04 Fior Di Latte
05 Lovelife
06 Goodbye Soleil
07 Fleur De Lys
08 Role Model
09 Via Veneto
10 Telefono

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Semana realmente loca de lanzamientos. A punto hemos estado de alcanzar los 60 temas, y eso que el buzz-single de las Haim no ha llegado aún a Spotify. El caso es que los últimos 7 días han sido fuertes en cuanto a nuevos singles: Katy Perry, Phoenix, Foster The People, Shabazz Palaces, Algiers, The War On Drugs, Frank Ocean, Mura Masa o el nuevo supergrupo de Sufjan Stevens con Nico Muhly, Bryce Dessner y James McAlister.

A ellos se han sumado hoy nuevas canciones de DJ Khaled rodeado de estrellas como Justin Bieber o Chance The Rapper, Prince, Kygo con Ellie Goulding, PJ Harvey, Nancys Rubias los nuevos sonidos de Fall Out Boy, Imagine Dragons, OneRepublic, Caetano Veloso, SZA, Cassius, Maya Jane Coles, Tove Styrke o A$AP Mob. También encontramos colaboraciones sorpresa como las de Charli XCX con el productor Whethan, Sean Paul con Migos o el veterano Richie Havens con Portugal.The Man.

También es un día fuertecito en cuanto a nuevos LPs: hoy se publican los ansiados regresos discográficos de Gorillaz, Feist, The Cranberries (incluso aunque sea con un disco de versiones acústicas) y Mary J. Blige (con featurings de Missy Elliott, Kanye West y Kaytranada). También Cashmere Cat, Mew, Thurston Moore, Mark Lanegan, el rapero Wale (atención a su tema con Dua Lipa, podría pegar fuerte), la chilena Mon Laferte, Sylvan Esso y BNQT, la superbanda con miembros de Franz Ferdinand, Travis, Band of Horses y Grandaddy.

También es un día inusualmente profuso en lanzamientos nacionales: hoy llegan los álbumes de Wild Honey, Murciano Total y L.A. que se venían anunciando, además de los debuts de los divertidos Tronco, los interesantes Calavera y Heather, una banda que podría dar mucho que hablar en el underground. También podemos escuchar más canciones de lo próximo de Mishima, Pablo Und Destruktion, El mató a un policía motorizado, Betacam (cuyo vídeo para la estupenda ‘La discusión’ estrenábamos esta semana), Solo Astra, Nancys Rubias, y McEnroe, que preparan nuevo EP. También descubrimos lo nuevo de los mexicanos Los Románticos de Zacatecas, un nuevo tema de Pacífico, otro de Santi Capote de Ellos con Juliana Gattas de Miranda! y descubrimos a Druso, un joven que hará las delicias de los fans de Mac DeMarco.

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Este año Phoenix publicarán ‘Ti amo’, un nuevo álbum que pretende capturar en sus canciones esa sensación de “los veranos ternos en Italia”. Es el primer disco de la banda francesa desde que en 2013 lanzaran ‘Bankrupt!’ y ha sido adelantado por el magnético single ‘J-Boy’. Se publica el día 9 de junio y no será la nueva música del grupo que escucharemos en ese mes.

Porque, como destaca la web The Playlist, también han creado la música para la película que Sofia Coppola estrenará el 30 de junio y que podrá verse antes, este mismo mes de mayo, en el festival de Cannes 2017. Se trata de ‘The Beguiled’, un film ambientado en la Guerra Civil estadounidense y que cuenta como protagonistas con Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Colin Farrell y Elle Fanning. Existe un tráiler de la película en la que suena una música, pero lo que podemos escuchar parece un score clásico que no podemos identificar con Phoenix. En principio, no se diría que la directora de ‘Lost In Translation’ ha buscado el contraste de la música contemporánea en una película de época, como ya hizo en ‘María Antonieta’ (protagonizada también por Dunst y con algunas canciones de los autores de ‘Wolfgang Amadeus Phoenix’).

La relación de Phoenix y la hija de Francis Ford Coppola no es meramente profesional: está casada con Thomas Mars, cantante de la banda. De ahí que el grupo galo haya aparecido también en las BSO de sus otros filmes (‘Somewhere’, ‘The Bling Ring’), que ella haya dirigido alguno de sus videoclips o que, hace solo unos días, el grupo también haya puesto música a un anuncio de ropa interior para Calvin Klein rodado por ella (en este sí se reconoce a la perfección el estilo de la banda). Phoenix presentarán ‘Ti amo’ en dos grandes festivales de nuestro país: el día 29 de junio lo harán en Vida Festival 2017 y el día 7 de julio, en Bilbao BBK Live 2017.

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Phoenix estrenan el segundo adelanto de su nuevo disco titulado ‘Ti amo’, a la venta el próximo 9 de junio, a tiempo para que acudas con el álbum bien empollado a sus conciertos en Vida Festival y Bilbao BBK Live.

El grupo había mostrado la inspiración italo en ‘J-Boy‘ y en su vídeo, y ahora lleva la temática un poco más allá al recurrir en la letra de la propia ‘Ti amo’ a algunas cosas tan italianas como Franco Battiato y el Festival de San Remo. Más controvertidos son ese pre-estribillo y estribillo que pasan de “open up your legs” a un repetitivo “don’t tell me no”, todo ello recalcado con un lyric video para que no pierdas detalle de su nueva ocurrencia creativa… ¿quizá irónica? ¿Hemos de entender que representativa de Italia, al modo de entender de los franceses? ¿Es todo esto una gran broma? ¿Qué piensa de todo esto Francesco Gabbani?

Os dejamos con el nuevo tema ‘Ti amo’ y también con el vídeo para ‘J-Boy’, estrenado hace unos días. Warren Fu dirige una supuesta actuación retro del grupo en un programa de la televisión italiana. Como podéis ver, el lyric video de la nueva canción también es una emisión de “Canale Quattro”.

01 J-Boy
02 Ti Amo
03 Tuttifrutti
04 Fior Di Latte
05 Lovelife
06 Goodbye Soleil
07 Fleur De Lys
08 Role Model
09 Via Veneto
10 Telefono

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Parte de la redacción evalúa el esperado regreso de los franceses Phoenix. ‘Ti amo’ sale a la venta en junio.

“Phoenix han regresado con ‘J-Boy’ (reducción de ‘Just Because of You’, por si no lo habíais notado), un single en el que la única novedad son los versos casi rapeados por Mars y la preponderancia de los sintes sobre las guitarras. Una vez más, de primeras no parece nada excesivamente impresionante o llamativo. Y, sin embargo, poco a poco se va haciendo un hueco en los adentros de uno hasta alinearse muy cerca de ‘Entertainment’, ‘Lisztomania’, ‘Long Distance Run’ o ‘If I Ever Feel Better’. Su equilibrio de belleza y eficacia es algo inexplicable, casi mágico, al alcance del grupo francés y pocos más”. Raúl Guillén.

“‘J-Boy’ es muy resultona en apariencia, pero tiene poca chicha. Su aspecto es delicioso pero, ay, le empiezas a dar bocados y… hummm ¿no está un poco soso? Te lo acabas, claro, pero no te ha saciado. Mira que esa manera de cantar de Thomas Mars el estribillo, tan picarona, promete grandes sabrosuras, pero se me desinfla en el estribillo. Ojo, no me molesta que a ‘J-Boy’ la recorra el fantasma de ‘Midnight City’ o que el revival ochentero-atmosférico suene un tanto pasado de moda (¿alguien recuerda a Washed Out?); no. Todo eso sería obviable si Phoenix nos hubiera regalado un pepinazo de los suyos. Pero me temo que no es el caso”. Mireia Pería.

“A los 10 segundos de que comience ‘J-Boy’, Phoenix sueltan la artillería pesada del primer adelanto de ‘Ti amo’: diversos grupos de sintetizadores, unos formando la base machacona, otros añadiendo chispa, pero todos elaborando un fondo kitsch, retro y vintage confirmado en su vídeo italiano y en el segundo single ‘Ti amo’. Tiene gracia pero no tanta: ni de lejos cuentan con una melodía tan consistente como ‘If I Ever Feel Better’ y, tras el batacazo del álbum anterior, necesitaban algo más. Si siguen encabezando festivales tamaño Bilbao BBK Live o Vida Festival será por ‘Lisztomania’ y ‘1901’, no por estas dos canciones nuevas”. Sebas E. Alonso.

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Con frecuencia cometemos el error, al hablar de lo latino, de pensar exclusivamente en países americanos o, como mucho, el nuestro propio. Y olvidamos que otros países europeos cercanos como Portugal, Italia y Francia, sobre todo, son tan latinos como el nuestro. O más. Y han tenido que llegar precisamente los franceses Phoenix con la canción que da nombre a su nuevo disco, ‘Ti amo’ –que repite en su estribillo “je t’aime, ti amo, te quiero”– para recordarnos que compartimos más cosas de las que creemos con nuestros vecinos.

Pero en realidad a lo que el grupo de Versalles dedica este sexto álbum de estudio de su carrera es a los veranos eternos de Italia, esa imagen idílica, una fantasía atemporal de vacaciones de verano, construida de recuerdos propios, películas de Antonioni y Visconti, canciones de Battiato y Lucio Dalla. Subidos a unas Vespas voladoras que tumban sobre las curvas de una escarpada carretera en la costa de Rimini y que dejan una estela multicolor, con gafas de sol de pasta y comiendo cucuruchos de gelato, nos trasladan a un limbo en el que el synthpop ochentero y el italodisco nutren el sonido ambiente, mezclado con las olas del Mediterráneo y el sol picante. Seguramente para el público norteamericano resulte de lo más exótico y evocador, mientras que el europeo lo vea con cierta ironía o nostalgia, pero sobre el papel no podía ser más sugerente el planteamiento de ‘Ti amo’.

El problema es que, como ocurre con esos gelati que emplean con frecuencia como metáfora en estas canciones, resulta de lo más gustoso y dulce cuando lo estás consumiendo, pero su efecto se evapora con rapidez, no alimenta y al rato se olvida. Los singles ’J-Boy’ y ‘Ti amo’, ambas co-producidas con su compatriota Superpoze, son las más eficaces desde el punto de vista rítmico, las que probablemente sean más celebradas en sus próximos directos. Son lo mejor del disco, junto a ‘Fior Di Latte’, la bailable y latina (de nuevo, me refiero a un contexto americano) ’Fleur De Lys’, la dulce ‘Via Veneto’ o ‘Telefono’ (cantada en su mayor parte en italiano, idioma que emplean constantemente a lo largo del disco, elaborando juegos de palabras con sonidos ingleses).

Sin embargo, aunque el planteamiento y su ejecución son inmaculados, en general estas 10 canciones parecen faltas de pegada, y no es sencillo recordarlas minutos después de haberlas asimilado. Phoenix salen indemnes de este envite valiente, un intento de no repetirse por enésima vez, conservando su personalidad en todo momento pese a lo recurrente de los sonidos empleados (por momentos se intuyen guiños a sus propios inicios, los de ‘United’). Y ‘Ti amo’ es un disco bonito y agradable, aunque no deje una huella muy profunda en uno. Pero realmente la sensación es que, para un grupo de sus estatus, del que se espera lo mejor, están salvando los muebles por los pelos.

Phoenix presentarán ‘Ti amo’ en nuestro país, en dos fechas: el 29 de junio, en Vida Festival (Vilanova i la Geltrú); y el 7 de julio en BBK Live (Bilbao).

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘J-Boy’, ‘Ti amo’, ‘Fior di latte’, ‘Tuttifrutti’
Te gustará si te gusta: el synthpop ochentero y revivalistas de esos sonidos como Linda Mirada o Javiera Mena.
Escúchalo: Spotify

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